NIRVANA.
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En la filosofía shramánica, nirvana es el estado de estar liberado tanto del sufrimiento como del ciclo de renacimientos. Es un concepto importante en el hinduismo, yainismo y budismo y suele alcanzarse mediante diferentes prácticas y técnicas espirituales.
Nirvana fue una banda estadounidense de grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo "Smells Like Teen Spirit", del álbum Nevermind, Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge". Otras bandas de la escena musical de Seattle como Alice in Chains, Pearl Jam y Soundgarden también obtuvieron popularidad y, como resultado, el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de 1990.
Kurt Cobain, lider de la banda, se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "la voz de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X".[1] Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Aunque la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum, buena parte de su audiencia alabó el interior "oscuro" de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.
La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, "You Know You're Right", un demo nunca terminado que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. Desde su debut, la banda ha vendido más de 50 millones de álbumes a nivel mundial,[2] incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos.[2] [3] Su música continúa siendo emitida por estaciones de radio de todo el mundo.
Kurt Cobain y Krist Novoselic se conocieron en la escuela en 1985. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayo de la banda.[4] Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior. Después de un par de intentos fallidos de formar grupos –primero como The Sellouts, una banda que versionaba canciones de Creedence Clearwater Revival (con Cobain en la batería, Novoselic en guitarra y voces y Steve Newman en bajo), ellos tocaron un show en The Pourhouse, en Aberdeen, WA en 1986 y luego como Fecal Matter (con Matt Lukin en batería), el dúo reclutó al baterista Aaron Burckhard, creando así la primera encarnación de lo que se convertiría posteriormente en Nirvana. En los meses iniciales, Cobain y Novoselic trabajaron con varios baterías, entre ellos Dale Crover de The Melvins, que tocaría en sus primeras demos. Al mismo tiempo, la banda pasó por varios nombres, incluyendo Skid Row, Bliss, Pen Cap Chew en 1987 y Ted Ed Fred a principios de 1988, antes de llamarse Nirvana, en febrero de 1988. Después tuvieron a un baterista llamado "Dave Foster" con el cual tocaron aproximadante cinco shows. el toco en el primer show de Nirvana en Seattle en Abril de 1988 en el Central Tavern. En una Fiesta en que toco Nirvana, el 14 de Mayo de 1988, en The White House en Olympia, Washington, Kurt canto Junto a Gilly Hanner un Cover de Scratch Acid "The Greatest Gift", en este show Kurt Canto Love Buzz en el Piso.Un par de meses más tarde, finalmente encontraron a un baterísta "permanente", Chad Channing, por medio de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba "banda de punk rock con influencias de Aerosmith, Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista". El primer show de Chad con Nirvana fue a fines de Mayo de 1988 en The Vogue en Seattle
En 1988 firmaron un contrato con la discográfica independiente Sub Pop, por medio de la cual fue lanzado su primer álbum, Bleach. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 70 de Black Sabbath y Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista, en 2001, con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira, álbumes de The Smithereens y de la banda de black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia.[5] Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde.
Aunque no participó en el álbum, Jason Everman fue incluido en los créditos como segundo guitarrista, en agradecimiento por pagar las sesiones de grabación: una suma de 606,17 dólares. Al acabar el álbum, Everman permaneció brevemente en la banda como segundo guitarrista, pero salió al finalizar la primera gira por los Estados Unidos. el ultimo show de Jason en Nirvana, fue en el Pyramid Club (New Music Seminar) de Nueva York el 18 de Julio de 1989, luego de este concierto fueron cancelados aproximadamente cuatro shows A comienzos de los 90, Nirvana empezó a trabajar con el productor Butch Vig para grabar el segundo álbum de estudio, titulado provisionalmente Sheep.[6] Durante las sesiones, Kurt y Krist coincidieron en que Chad no era el batería que necesitaban, y en un acuerdo mutuo éste dejó la banda después de finalizadas las sesiones. Dale crover toco 8 shows con Nirvana en 1990. Después de estar unas semanas con Dale Crover, contrataron al batería de Mudhoney Dan Peters, con quien grabarían la canción "Sliver"el toco en un solo concierto en el Motor Sports International Garage de Seattle el 22 de Septiembre de 1990. Posteriormente el mismo año, Buzz Osborne de The Melvins les presentó a Dave Grohl, quien buscaba un nuevo grupo debido a la ruptura de la banda de hardcore punk en la que militaba, Scream, procedente de Washington, DC.
Siguiendo recomendaciones de Kim Gordon, integrante de Sonic Youth, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990 a un costo de 287.000 dólares (y 75.000 dólares a Sub Pop, más un dos por ciento de los beneficios de los discos). La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía discográfica. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico.
Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios "Sound City" en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación.
Después que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos con los primeros resultados, por lo que decidieron buscar a alguien para que mejorara las mezclas. Pidieron a Gary Gersh, de Geffen, que les diera una lista de posibles seleccionados. La lista contenía varios nombres familiares, como Scott Litt (conocido por trabajar con R.E.M.) y Ed Stasium (conocido por su trabajo con The Smithereens). Sin embargo, Cobain temía que trabajar con productores conocidos hiciese que el álbum sonara como la música de esas bandas. Decidió escoger al último nombre de la lista, junto al nombre 'Slayer': Andy Wallace. (Wallace co-produjo el álbum de Slayer Seasons in the Abyss).
Wallace llevó el álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho el sonido de Nevermind demasiado "ligero", olvidando que la banda había escogido a Wallace y que había participado en el proceso de grabación y mezcla.[7] Aunque la banda estuviera decepcionada con el sonido del álbum, Wallace había hecho "desaparecer" con éxito sus raíces indie y creado un rock "amigable" a listas y radios que otros intentarían imitar durante la siguiente década.
Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500.000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson,[8] un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada en las listas de varios álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam y Badmotorfinger de Soundgarden.[9] Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV),[10] optando por hacer varias actuaciones posteriormente ese mismo año.
En febrero del 92, al finalizar el tour por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawaii. En agosto, Love dio luz a una hija, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas y versiones de 'The Money Will Roll Right In' de Fang, 'D-7' de The Wipers, Novoselic cantó a manera de introducción de Smells Like Teen Spirit, "More than a Feeling" de Boston (que se asemeja al riff de 'Teen Spirit') y también tocaron una versión estilo Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner.[11] [12] En medio del concierto, Cobain relató al público sobre el reciente nacimiento de su hija, y logró que la gente gritara "¡Te amamos, Courtney!" al unísono. Grohl confesó, en 2005 en el programa radial Loveline, que la banda creía que el concierto sería un completo desastre, por todo lo que había pasado en los meses anteriores y que no habían ensayado desde junio. Sin embargo, el directo terminó siendo uno de los más memorables de sus carreras.
Un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Video Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la actuación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium". Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y, para dar un "aire dramático", lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de intrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "¡Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda.[13]
En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de lados b y rarezas. Varias de las sesiones radiales de la banda en la BBC y material temprano no lanzado empezó a circular por medio de los círculos ilegales de venta de música. Entonces el álbum sirvió para frenar a los involucrados en el negocio, que incluía a seguidores que grababan conciertos sin autorización. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.
Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor Steve Albini, conocido por su trabajo en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en 2 semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en Nevermind. La grabación se hizo en los estudios "Pachyderm", en Minnesota.
Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente "Radio Friendly Unit Shifter", mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o "retroalimentación". (En la industria musical, un álbum "amigable a la radio" ("radio friendly") es descrito como un álbum "ideal": capaz de alta rotación radial y de vender varias copias, o "unidades"). Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio.
Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". En realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves,[14] y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum. (DGC planeó posteriormente lanzar la mezcla de Litt como un sencillo)
Con In Utero, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me". Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de "Pennyroyal Tea", la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart.[15]
Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena aceptación por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.)
En noviembre de 1993, el grupo decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones suyas que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificada por la tragedia que se avecinaba.
La muerte de Cobain [editar]
Artículo principal: Muerte de Kurt Cobain
Lista de canciones del concierto final de Nirvana[16]
A comienzos de 1994, la banda se embarcó en una gira por Europa. Aunque el tour comenzó bien, los conciertos gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. Después del directo en Terminal Eins en Munich, Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. El espectáculo de la noche siguiente fue cancelado. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto del tour fue cancelado, incluyendo una visita planeada (después de 2 años sin ir) al Reino Unido.
En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una reunión fue organizada por familiares y amigos de Kurt Cobain y convencieron a éste para entrar en rehabilitación. Con menos de una semana en rehabilitación, Cobain escapo del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle. Una semana más tarde, el viernes 7 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.
Después de la muerte de Cobain
Varios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York. Este álbum contuvo las apariciones de los miembros de Meat Puppets, así como las versiones de canciones de Leadbelly, The Vaselines y David Bowie.
Dos semanas después del lanzamiento de Unplugged in New York, una compilación de vídeo llamada Live! Tonight! Sold Out!!, fue lanzado. Cobain había compilado una parte significativa del video, que documentaba buena parte del tour promocional de Nevermind. Material "memorable" del vídeo incluía un infame incidente con un guardia de seguridad en un club de Texas en Octubre de 1991, así como la versión de "Aneurysm", con los miembros del grupo vestidos de mujer, en el festival Hollywood Rock en Río de Janeiro, Brasil en Enero de 1993.
La intención original era la de lanzar Unplugged in New York como disco doble, junto a un disco de material eléctrico en vivo para balancear el contenido acústico. Sin embargo, los dos miembros restantes de la banda, estaban emocionalmente afectados para compilar el álbum eléctrico, al pasar tan poco tiempo desde la muerte de Cobain.[17] El álbum, una compilación de grabaciones de conciertos de Nirvana, finalmente fue lanzado en Octubre de 1996, titulado From the Muddy Banks of the Wishkah.
En agosto de 1997, el sitio web de noticias musicales Wall of Sound reportó que Grohl y Novoselic estaban organizando un box set de rarezas de Nirvana.[18] Cuatro años más tarde, el sello discográfico de la banda anunció que el box set estaba completo y sería lanzado en septiembre para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Nevermind. Sin embargo, poco antes de la fecha de lanzamiento, Courtney Love detuvo el lanzamiento y demandó a Grohl y a Novoselic, alegando que "estaban secuestrando el legado de Nirvana para sus intereses personales". Lo que siguió fue una larga batalla legal sobre quién era el dueño de la música de Nirvana que duró más de un año.[19]
Buena parte de la batalla legal se centró en una canción no lanzada, "You Know You're Right", la grabación final de estudio de la banda. Grohl y Novoselic querían incluirla en el box set, intentando lanzar todas las rarezas de una vez. Love, sin embargo, alegó que la canción era más importante que una "rareza", y que debía ser incluida en una compilación de "grandes éxitos". Después de más de un año de enfrentamientos públicos y legales, las partes firmaron un acuerdo, acordando el lanzamiento inmediato del álbum de "grandes éxitos", incluyendo esta canción, bajo el título de Nirvana. A cambio, Love estuvo de acuerdo en donar demos en casete grabados por Cobain para el uso en el box set.
Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas". Para los seguidores, la primera confirmación real de la existencia de esta versión apareció noviembre de 2001 cuando Access Hollywood difundió un clip de diez segundos como parte de una entrevista con Love. En mayo de 2002, varios clips de mayor duración aparecieron en la Internet por medio de una fuente desconocida, que anunció que planearía lanzar la canción completa. Sin embargo, la fuente declinó sus intenciones, temiendo acciones legales. Cuando la batalla legal estaba a punto de ser finalizada en septiembre de 2002, la canción completa apareció por este medio, días antes del anuncio del lanzamiento de Nirvana. Inclusive si la versión de estudio era un "borrador" con letras sin terminar, a los seguidores e inclusive a los no seguidores de la banda les gustó la canción, convirtiéndola en una de las canciones más rotadas en la radio alternativa entre 2002 y 2003.
Nirvana fue lanzado el 29 de octubre de 2002. Junto a "You Know You're Right", el álbum contuvo éxitos de sus tres álbumes de estudio, así como mezclas y grabaciones de canciones familiares. Después de su lanzamiento, varios seguidores de largo tiempo se quejaron sobre la selección de canciones, justificando que la versión alterna de "Been a Son" (del EP Blew) no era la versión preferida de la banda, y que faltaban canciones como "Sappy" (originalmente lanzada en la compilación No Alternative como "Verse Chorus Verse"), que había recibido significante rotación en los Estados Unidos después de la muerte de Cobain. Los seguidores fuera de los Estados Unidos cuestionaron la inclusión de la versión Unplugged de "All Apologies" (en vez de lanzar la versión del sencillo, incluida en In Utero) y la versión de Bleach de "About a Girl" (cuando la versión Unplugged fue un sencillo muy popular en 1994). También, con un tiempo de duración de menos de cincuenta minutos, había ciertamente suficiente espacio para incluir otros éxitos, como "Love Buzz", "Drain You", "Aneurysm", y "Where Did You Sleep Last Night?" (que sería posteriormente incluida en algunos lanzamientos no estadounidenses del álbum).
En noviembre de 2004 finalmente se lanzó el box set, titulado With the Lights Out. Éste contenía una vasta compilación de demos de Cobain, grabaciones de ensayos y rarezas, y canciones en vivo grabadas durante toda la historia de la banda. Seguidores de largo tiempo de la banda tuvieron la oportunidad de escuchar las grabaciones de demos jamás terminados como "Old Age" y "Verse Chorus Verse" (una canción diferente a "Sappy"), grabados en las sesiones de Nevermind. Otra canción notable en el box set fue un demo acústico de una canción llamada "Do Re Mi", grabada por Cobain en su habitación. La canción demostró que inclusive en sus dramáticos días finales, Kurt todavía tenía ese "don" para la melodía que había demostrado años atrás en canciones como "About a Girl".
Una compilación de "lo mejor del box set" titulada Sliver: The Best of the Box fue lanzada en otoño de 2005. El CD compiló diecinueve canciones del box set junto a tres canciones no lanzadas, incluyendo una versión de la canción "Spank Thru" del demo de 1985 Fecal Matter. De acuerdo a Rolling Stone, Frances Bean Cobain coloboró en la selección del título y de la portada.[20] El año siguiente vio el lanzamiento de la edición en DVD de Live! Tonight! Sold Out!! con mejoras en la calidad de imagen y material inédito nunca antes visto.
En una entrevista en el 2002 con Jim DeRogatis,[21] Courtney Love describió los innumerables casetes de ensayos, demos y grabaciones en la habitación que habían quedado después de la muerte de Cobain. Por ejemplo, una versión de cuatro pistas de "Do Re Mi" fue aparentemente grabada con Kurt en batería, Pat Smear en la guitarra, y Eric Erlandson en el bajo, una semana antes de su muerte. Se espera que cualquier canción de este archivo que no haya sido lanzada vea la luz algún día no muy lejano.
Nirvana fue una banda estadounidense de grunge, procedente de Aberdeen, Washington. Con el éxito del sencillo "Smells Like Teen Spirit", del álbum Nevermind, Nirvana escaló las listas musicales en todo el mundo e inició la explosión de lo que hasta ese momento era punk underground y rock alternativo en la escena musical mundial, en un movimiento al que los medios de la época se referirían como "grunge". Otras bandas de la escena musical de Seattle como Alice in Chains, Pearl Jam y Soundgarden también obtuvieron popularidad y, como resultado, el rock alternativo se convirtió en un género dominante en la radio y la televisión musical durante la primera mitad de la década de 1990.
Kurt Cobain, lider de la banda, se encontró a sí mismo referido en los medios de comunicación como "la voz de una generación", y a Nirvana como la "banda símbolo" de la "Generación X".[1] Cobain se sentía incómodo con la atención que se les brindaba y decidió enfocar la atención del público hacia la música de la banda, retando a la audiencia con su tercer álbum de estudio In Utero. Aunque la popularidad de Nirvana disminuyó en los meses siguientes a la publicación del álbum, buena parte de su audiencia alabó el interior "oscuro" de la banda, en especial después de su presentación en MTV Unplugged.
La corta carrera de Nirvana concluyó con la muerte de Cobain en 1994, pero su popularidad creció aún más en los años posteriores. Ocho años después de la muerte de Cobain, "You Know You're Right", un demo nunca terminado que la banda había grabado dos meses antes de la muerte de Cobain, escalaba las listas de radio y música de todo el mundo. Desde su debut, la banda ha vendido más de 50 millones de álbumes a nivel mundial,[2] incluyendo 10 millones de ejemplares de Nevermind en los Estados Unidos.[2] [3] Su música continúa siendo emitida por estaciones de radio de todo el mundo.
Kurt Cobain y Krist Novoselic se conocieron en la escuela en 1985. Ambos eran seguidores de The Melvins y frecuentemente se les veía en el local de ensayo de la banda.[4] Cobain incluso había tocado con ellos en algunas ocasiones el año anterior. Después de un par de intentos fallidos de formar grupos –primero como The Sellouts, una banda que versionaba canciones de Creedence Clearwater Revival (con Cobain en la batería, Novoselic en guitarra y voces y Steve Newman en bajo), ellos tocaron un show en The Pourhouse, en Aberdeen, WA en 1986 y luego como Fecal Matter (con Matt Lukin en batería), el dúo reclutó al baterista Aaron Burckhard, creando así la primera encarnación de lo que se convertiría posteriormente en Nirvana. En los meses iniciales, Cobain y Novoselic trabajaron con varios baterías, entre ellos Dale Crover de The Melvins, que tocaría en sus primeras demos. Al mismo tiempo, la banda pasó por varios nombres, incluyendo Skid Row, Bliss, Pen Cap Chew en 1987 y Ted Ed Fred a principios de 1988, antes de llamarse Nirvana, en febrero de 1988. Después tuvieron a un baterista llamado "Dave Foster" con el cual tocaron aproximadante cinco shows. el toco en el primer show de Nirvana en Seattle en Abril de 1988 en el Central Tavern. En una Fiesta en que toco Nirvana, el 14 de Mayo de 1988, en The White House en Olympia, Washington, Kurt canto Junto a Gilly Hanner un Cover de Scratch Acid "The Greatest Gift", en este show Kurt Canto Love Buzz en el Piso.Un par de meses más tarde, finalmente encontraron a un baterísta "permanente", Chad Channing, por medio de un aviso colocado en un periódico de Seattle que rezaba "banda de punk rock con influencias de Aerosmith, Led Zeppelin, Black Sabbath, Black Flag, Scratch Acid y Butthole Surfers busca baterista". El primer show de Chad con Nirvana fue a fines de Mayo de 1988 en The Vogue en Seattle
En 1988 firmaron un contrato con la discográfica independiente Sub Pop, por medio de la cual fue lanzado su primer álbum, Bleach. Bleach estaba influenciado principalmente por The Melvins, Mudhoney, y el rock clásico de los años 70 de Black Sabbath y Led Zeppelin. Novoselic comentó en una entrevista, en 2001, con la revista Rolling Stone que habían escuchado en medio de una gira, álbumes de The Smithereens y de la banda de black metal Celtic Frost, y también dijo que la combinación pudo servir como influencia.[5] Bleach se convirtió en un álbum favorito de las estaciones universitarias de radio de Estados Unidos, pero aún no ofrecía muchas pistas sobre en qué se iba a convertir la banda dos años más tarde.
Aunque no participó en el álbum, Jason Everman fue incluido en los créditos como segundo guitarrista, en agradecimiento por pagar las sesiones de grabación: una suma de 606,17 dólares. Al acabar el álbum, Everman permaneció brevemente en la banda como segundo guitarrista, pero salió al finalizar la primera gira por los Estados Unidos. el ultimo show de Jason en Nirvana, fue en el Pyramid Club (New Music Seminar) de Nueva York el 18 de Julio de 1989, luego de este concierto fueron cancelados aproximadamente cuatro shows A comienzos de los 90, Nirvana empezó a trabajar con el productor Butch Vig para grabar el segundo álbum de estudio, titulado provisionalmente Sheep.[6] Durante las sesiones, Kurt y Krist coincidieron en que Chad no era el batería que necesitaban, y en un acuerdo mutuo éste dejó la banda después de finalizadas las sesiones. Dale crover toco 8 shows con Nirvana en 1990. Después de estar unas semanas con Dale Crover, contrataron al batería de Mudhoney Dan Peters, con quien grabarían la canción "Sliver"el toco en un solo concierto en el Motor Sports International Garage de Seattle el 22 de Septiembre de 1990. Posteriormente el mismo año, Buzz Osborne de The Melvins les presentó a Dave Grohl, quien buscaba un nuevo grupo debido a la ruptura de la banda de hardcore punk en la que militaba, Scream, procedente de Washington, DC.
Siguiendo recomendaciones de Kim Gordon, integrante de Sonic Youth, David Geffen contrató a Nirvana para DGC Records en 1990 a un costo de 287.000 dólares (y 75.000 dólares a Sub Pop, más un dos por ciento de los beneficios de los discos). La banda empezó a grabar su primer álbum con una gran compañía discográfica. El resultado, Nevermind, es ahora considerado un clásico.
Para el álbum, la banda decidió continuar trabajando con Vig, pero en vez de seguir grabando en el estudio propiedad de Vig en Madison, Wisconsin, como en 1990, decidieron ir a los estudios "Sound City" en Los Ángeles. Durante dos meses, trabajaron en gran variedad de canciones. Algunas de ellas, incluyendo "In Bloom" y "Breed" llevaban ya tiempo en su repertorio, mientras que canciones como "On a Plain" y "Stay Away" no estaban todavía terminadas, y hubo que escribir sus letras en medio del proceso de grabación.
Después que se completaran las sesiones de grabación, Vig y la banda aguardaron el resultado de las mezclas. No quedaron sin embargo satisfechos con los primeros resultados, por lo que decidieron buscar a alguien para que mejorara las mezclas. Pidieron a Gary Gersh, de Geffen, que les diera una lista de posibles seleccionados. La lista contenía varios nombres familiares, como Scott Litt (conocido por trabajar con R.E.M.) y Ed Stasium (conocido por su trabajo con The Smithereens). Sin embargo, Cobain temía que trabajar con productores conocidos hiciese que el álbum sonara como la música de esas bandas. Decidió escoger al último nombre de la lista, junto al nombre 'Slayer': Andy Wallace. (Wallace co-produjo el álbum de Slayer Seasons in the Abyss).
Wallace llevó el álbum a una altura completamente diferente, añadiendo capas de reverberación y "trucos" de estudio para que no fuera tan "oscuro". Pocos meses después del lanzamiento del álbum, Cobain se quejó en la prensa, alegando que Wallace había hecho el sonido de Nevermind demasiado "ligero", olvidando que la banda había escogido a Wallace y que había participado en el proceso de grabación y mezcla.[7] Aunque la banda estuviera decepcionada con el sonido del álbum, Wallace había hecho "desaparecer" con éxito sus raíces indie y creado un rock "amigable" a listas y radios que otros intentarían imitar durante la siguiente década.
Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500.000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson,[8] un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada en las listas de varios álbumes de grunge como Ten de Pearl Jam y Badmotorfinger de Soundgarden.[9] Alegando cansancio (en buena parte por algunos problemas de voz que Cobain sufrió), y después de un corto tour junto a Pearl Jam y Red Hot Chili Peppers por la costa este estadounidense, y de uno por Australia y Japón, la banda decidió no embarcarse en una gira en la primavera de 1992 por Estados Unidos para promocionar Nevermind (pese a hacer presentaciones promocionales en el popular programa Saturday Night Live y en MTV),[10] optando por hacer varias actuaciones posteriormente ese mismo año.
En febrero del 92, al finalizar el tour por el Pacífico, Cobain se casó con Courtney Love en Hawaii. En agosto, Love dio luz a una hija, Frances Bean. Días después del nacimiento, Nirvana tocó uno de sus conciertos más conocidos, como uno de los actos centrales del Festival de Reading en Inglaterra. Cobain entró al escenario en una silla de ruedas y con una peluca, parodiando los rumores sobre su estado mental, luego se paró y se unió a Novoselic y Grohl, tocando uno de los conciertos más variados de la banda, añadiendo a la lista canciones que aún no habían sido lanzadas y versiones de 'The Money Will Roll Right In' de Fang, 'D-7' de The Wipers, Novoselic cantó a manera de introducción de Smells Like Teen Spirit, "More than a Feeling" de Boston (que se asemeja al riff de 'Teen Spirit') y también tocaron una versión estilo Jimi Hendrix de The Star-Spangled Banner.[11] [12] En medio del concierto, Cobain relató al público sobre el reciente nacimiento de su hija, y logró que la gente gritara "¡Te amamos, Courtney!" al unísono. Grohl confesó, en 2005 en el programa radial Loveline, que la banda creía que el concierto sería un completo desastre, por todo lo que había pasado en los meses anteriores y que no habían ensayado desde junio. Sin embargo, el directo terminó siendo uno de los más memorables de sus carreras.
Un par de semanas más tarde, Nirvana hizo otra presentación memorable en los MTV Video Music Awards de 1992. Cobain creyó que con el éxito, la cadena musical le permitiría tocar su nueva canción, "Rape Me". Los ejecutivos de MTV, que preferían el éxito "Smells Like Teen Spirit", estaban aterrorizados, pensando que era una canción en contra de ellos (debido a que "Rape" no sólo significa "violar" en inglés, también significa "esclavizar"), y dejaron que la banda tocara su sencillo "Lithium". Al comienzo de la actuación, Cobain tocó y cantó las primeras notas de "Rape Me", lo cual le dio un buen susto a MTV, que terminó cuando la banda comenzó a tocar "Lithium". Cuando entraban a la parte final de la canción, Novoselic estaba frustrado porque el amplificador de su bajo dejó de funcionar y, para dar un "aire dramático", lo lanzó al aire. Para su infortunio, el bajo cayó en su frente y lo dejó dolorido. Cuando terminó la canción y mientras Cobain estaba haciendo la "clásica" destrucción de intrumentos que se hacía al final de casi cada presentación, Grohl se acercó al micrófono y empezó a gritar "¡Hi, Axl!", refiriéndose al vocalista de Guns N' Roses Axl Rose, con el cual la banda y Courtney habían tenido un altercado previo a la presentación de la banda.[13]
En diciembre de ese mismo año lanzan Incesticide, una colección de lados b y rarezas. Varias de las sesiones radiales de la banda en la BBC y material temprano no lanzado empezó a circular por medio de los círculos ilegales de venta de música. Entonces el álbum sirvió para frenar a los involucrados en el negocio, que incluía a seguidores que grababan conciertos sin autorización. El álbum contuvo canciones favoritas de seguidores como "Sliver", "Dive", "Been a Son" y "Aneurysm", así como algunas versiones de canciones de The Vaselines, una banda que resultó popular como resultado de las versiones que hizo Nirvana.
Para In Utero, la banda escogió trabajar con el productor Steve Albini, conocido por su trabajo en Surfer Rosa de Pixies. Las sesiones con Albini fueron productivas y notablemente rápidas: la versión inicial del álbum fue grabada y mezclada en 2 semanas, lejos de los meses de grabación y mezcla en Nevermind. La grabación se hizo en los estudios "Pachyderm", en Minnesota.
Usar a Albini como productor fue una jugada deliberada por parte de Nirvana para darle al álbum un sonido menos "artificial", como si la banda hubiera querido alienar o distanciarse de su nueva audiencia que le prestó poca o nula atención a las bandas alternativas, oscuras, o experimentales que Nirvana intentó apoyar (como es el caso de The Jesus Lizard). Por ejemplo, una de las canciones del álbum, llamada irónicamente "Radio Friendly Unit Shifter", mostraba prolongados periodos de ruido de feedback o "retroalimentación". (En la industria musical, un álbum "amigable a la radio" ("radio friendly") es descrito como un álbum "ideal": capaz de alta rotación radial y de vender varias copias, o "unidades"). Sin embargo, Cobain insistió que el sonido de Albini era simplemente el que Nirvana quería, una grabación "natural", sin muchas capas de "trucos" de estudio.
Después de su lanzamiento, los seguidores pensaron que la banda quería esta "distorsionada obra maestra". En realidad, la banda no estaba contenta con algunos aspectos de las mezclas de Albini. Específicamente, pensaron que los niveles del bajo eran muy graves,[14] y Cobain sintió que "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" no sonaban "perfectas". El productor por largo tiempo de R.E.M., Scott Litt, fue llamado para ayudar a mezclar estas dos canciones, con Cobain adicionando instrumentación y vocales. Litt también mezcló "Pennyroyal Tea", pero la versión de Albini fue usada en el álbum. (DGC planeó posteriormente lanzar la mezcla de Litt como un sencillo)
Con In Utero, la banda también se enfrentó a la censura. Grandes cadenas de almacenes como Kmart y Wal-Mart se negaron a tener el álbum en sus estanterías, alegando que títulos de canciones como "Rape Me" y el collage de fetos plásticos en la contraportada del álbum eran muy "controvertidos" para cadenas "orientadas a la familia". Entonces la banda aceptó cambiar el arte del álbum, lanzando una versión "limpia", que también cambiaba el nombre de "Rape Me" por "Waif Me". Sin embargo, con la excepción de la mezcla de Litt de "Pennyroyal Tea", la música incluida era idéntica al lanzamiento común. Cuando le preguntaron sobre la versión editada, Cobain dijo que muchos residentes de pequeños pueblos (especialmente en el centro de los Estados Unidos) no tenían tiendas locales de música, y tenían que comprar sus álbumes en grandes cadenas de almacenes como Kmart.[15]
Aunque "Heart-Shaped Box" tuvo buena aceptación por parte de las emisoras alternativas y mainstream, e In Utero debutó en el número 1 en la lista de álbumes de Billboard, el álbum no gozó del mismo éxito de Nevermind. Cuando la banda se embarcó en la gira estadounidense de In Utero, la primera desde el éxito de "Smells Like Teen Spirit", regularmente tocó en auditorios a medio llenar, principalmente por la falta de gira para la promoción de Nevermind y por el nuevo y "retador" lanzamiento. (Para la gira promocional de In Utero, la banda añadió a Pat Smear de la banda de punk rock The Germs como el segundo guitarrista.)
En noviembre de 1993, el grupo decide detenerse en la gira y graba una aparición en MTV Unplugged. Las sesiones revelan la profundidad de las composiciones de Cobain, que frecuentemente estaban "enterradas" bajo el "agresivo" sonido de la banda. La selección de canciones también demostró el gran interés musical de Cobain por su selección de canciones originales de David Bowie, The Vaselines, Meat Puppets (que acompañó en las tres canciones suyas que la banda versionó), y del cantante de folk estadounidense Leadbelly. Éste se convirtió en uno de los momentos más importantes de la banda, que sería amplificada por la tragedia que se avecinaba.
La muerte de Cobain [editar]
Artículo principal: Muerte de Kurt Cobain
Lista de canciones del concierto final de Nirvana[16]
A comienzos de 1994, la banda se embarcó en una gira por Europa. Aunque el tour comenzó bien, los conciertos gradualmente declinaron, con la imagen de un Cobain aburrido y distraído durante los conciertos, particularmente durante el paso por Italia. Después del directo en Terminal Eins en Munich, Alemania, el 1 de marzo, Cobain fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severa. El espectáculo de la noche siguiente fue cancelado. En la mañana del 4 de marzo, en Roma, Cobain fue encontrado inconsciente por Courtney Love y fue llevado a un hospital. Un médico declaró en una rueda de prensa que el cantante reaccionó a una combinación de Rohypnol y alcohol. El resto del tour fue cancelado, incluyendo una visita planeada (después de 2 años sin ir) al Reino Unido.
En las semanas posteriores, la adicción a la heroína de Cobain reapareció. Una reunión fue organizada por familiares y amigos de Kurt Cobain y convencieron a éste para entrar en rehabilitación. Con menos de una semana en rehabilitación, Cobain escapo del centro de rehabilitación y voló hacia Seattle. Una semana más tarde, el viernes 7 de abril de 1994, el cuerpo sin vida de Cobain fue descubierto por un electricista en su casa de Seattle.
Después de la muerte de Cobain
Varios álbumes han sido lanzados desde la muerte de Cobain. El primero salió en noviembre de 1994 con la presentación grabada un año atrás en MTV Unplugged, bajo el título de MTV Unplugged in New York. Este álbum contuvo las apariciones de los miembros de Meat Puppets, así como las versiones de canciones de Leadbelly, The Vaselines y David Bowie.
Dos semanas después del lanzamiento de Unplugged in New York, una compilación de vídeo llamada Live! Tonight! Sold Out!!, fue lanzado. Cobain había compilado una parte significativa del video, que documentaba buena parte del tour promocional de Nevermind. Material "memorable" del vídeo incluía un infame incidente con un guardia de seguridad en un club de Texas en Octubre de 1991, así como la versión de "Aneurysm", con los miembros del grupo vestidos de mujer, en el festival Hollywood Rock en Río de Janeiro, Brasil en Enero de 1993.
La intención original era la de lanzar Unplugged in New York como disco doble, junto a un disco de material eléctrico en vivo para balancear el contenido acústico. Sin embargo, los dos miembros restantes de la banda, estaban emocionalmente afectados para compilar el álbum eléctrico, al pasar tan poco tiempo desde la muerte de Cobain.[17] El álbum, una compilación de grabaciones de conciertos de Nirvana, finalmente fue lanzado en Octubre de 1996, titulado From the Muddy Banks of the Wishkah.
En agosto de 1997, el sitio web de noticias musicales Wall of Sound reportó que Grohl y Novoselic estaban organizando un box set de rarezas de Nirvana.[18] Cuatro años más tarde, el sello discográfico de la banda anunció que el box set estaba completo y sería lanzado en septiembre para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Nevermind. Sin embargo, poco antes de la fecha de lanzamiento, Courtney Love detuvo el lanzamiento y demandó a Grohl y a Novoselic, alegando que "estaban secuestrando el legado de Nirvana para sus intereses personales". Lo que siguió fue una larga batalla legal sobre quién era el dueño de la música de Nirvana que duró más de un año.[19]
Buena parte de la batalla legal se centró en una canción no lanzada, "You Know You're Right", la grabación final de estudio de la banda. Grohl y Novoselic querían incluirla en el box set, intentando lanzar todas las rarezas de una vez. Love, sin embargo, alegó que la canción era más importante que una "rareza", y que debía ser incluida en una compilación de "grandes éxitos". Después de más de un año de enfrentamientos públicos y legales, las partes firmaron un acuerdo, acordando el lanzamiento inmediato del álbum de "grandes éxitos", incluyendo esta canción, bajo el título de Nirvana. A cambio, Love estuvo de acuerdo en donar demos en casete grabados por Cobain para el uso en el box set.
Los seguidores de la banda tuvieron el primer contacto con "You Know You're Right" a comienzos de 1995 cuando Love tocó una versión de la canción con su banda Hole en MTV Unplugged bajo el título de "You've Got No Right". Una versión temprana de la canción tocada por Nirvana en su concierto el 23 de octubre de 1993 en el Aragon Ballroom de Chicago salió a la luz pública en los círculos de compra y venta de casetes de Nirvana unos pocos meses después. En los años posteriores, los rumores de la existencia de una versión de estudio de la canción empezaron a circular y creció hasta alcanzar proporciones casi "míticas". Para los seguidores, la primera confirmación real de la existencia de esta versión apareció noviembre de 2001 cuando Access Hollywood difundió un clip de diez segundos como parte de una entrevista con Love. En mayo de 2002, varios clips de mayor duración aparecieron en la Internet por medio de una fuente desconocida, que anunció que planearía lanzar la canción completa. Sin embargo, la fuente declinó sus intenciones, temiendo acciones legales. Cuando la batalla legal estaba a punto de ser finalizada en septiembre de 2002, la canción completa apareció por este medio, días antes del anuncio del lanzamiento de Nirvana. Inclusive si la versión de estudio era un "borrador" con letras sin terminar, a los seguidores e inclusive a los no seguidores de la banda les gustó la canción, convirtiéndola en una de las canciones más rotadas en la radio alternativa entre 2002 y 2003.
Nirvana fue lanzado el 29 de octubre de 2002. Junto a "You Know You're Right", el álbum contuvo éxitos de sus tres álbumes de estudio, así como mezclas y grabaciones de canciones familiares. Después de su lanzamiento, varios seguidores de largo tiempo se quejaron sobre la selección de canciones, justificando que la versión alterna de "Been a Son" (del EP Blew) no era la versión preferida de la banda, y que faltaban canciones como "Sappy" (originalmente lanzada en la compilación No Alternative como "Verse Chorus Verse"), que había recibido significante rotación en los Estados Unidos después de la muerte de Cobain. Los seguidores fuera de los Estados Unidos cuestionaron la inclusión de la versión Unplugged de "All Apologies" (en vez de lanzar la versión del sencillo, incluida en In Utero) y la versión de Bleach de "About a Girl" (cuando la versión Unplugged fue un sencillo muy popular en 1994). También, con un tiempo de duración de menos de cincuenta minutos, había ciertamente suficiente espacio para incluir otros éxitos, como "Love Buzz", "Drain You", "Aneurysm", y "Where Did You Sleep Last Night?" (que sería posteriormente incluida en algunos lanzamientos no estadounidenses del álbum).
En noviembre de 2004 finalmente se lanzó el box set, titulado With the Lights Out. Éste contenía una vasta compilación de demos de Cobain, grabaciones de ensayos y rarezas, y canciones en vivo grabadas durante toda la historia de la banda. Seguidores de largo tiempo de la banda tuvieron la oportunidad de escuchar las grabaciones de demos jamás terminados como "Old Age" y "Verse Chorus Verse" (una canción diferente a "Sappy"), grabados en las sesiones de Nevermind. Otra canción notable en el box set fue un demo acústico de una canción llamada "Do Re Mi", grabada por Cobain en su habitación. La canción demostró que inclusive en sus dramáticos días finales, Kurt todavía tenía ese "don" para la melodía que había demostrado años atrás en canciones como "About a Girl".
Una compilación de "lo mejor del box set" titulada Sliver: The Best of the Box fue lanzada en otoño de 2005. El CD compiló diecinueve canciones del box set junto a tres canciones no lanzadas, incluyendo una versión de la canción "Spank Thru" del demo de 1985 Fecal Matter. De acuerdo a Rolling Stone, Frances Bean Cobain coloboró en la selección del título y de la portada.[20] El año siguiente vio el lanzamiento de la edición en DVD de Live! Tonight! Sold Out!! con mejoras en la calidad de imagen y material inédito nunca antes visto.
En una entrevista en el 2002 con Jim DeRogatis,[21] Courtney Love describió los innumerables casetes de ensayos, demos y grabaciones en la habitación que habían quedado después de la muerte de Cobain. Por ejemplo, una versión de cuatro pistas de "Do Re Mi" fue aparentemente grabada con Kurt en batería, Pat Smear en la guitarra, y Eric Erlandson en el bajo, una semana antes de su muerte. Se espera que cualquier canción de este archivo que no haya sido lanzada vea la luz algún día no muy lejano.
PEARL JAM.
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Pearl Jam es una banda de rock procedente de Seattle, Estados Unidos, y una de las líderes del movimiento grunge a principios de la década de los 90. A pesar de que otros grupos de dicho movimiento han desaparecido,[1] Pearl Jam se mantiene en un lugar sólido, contando ya con más de 15 años de carrera y 8 álbumes de estudio grabados hasta la fecha. La alineación original del grupo estaba formada por Eddie Vedder (voz), Jeff Ament (bajo), Stone Gossard (guitarra rítmica), Mike McCready (guitarra principal) y Dave Krusen (batería). El baterista en la formación actual es Matt Cameron, ex-miembro de Soundgarden, que está en el grupo desde 1998.
Formada después de la desintegración de Mother Love Bone, grupo anterior de Ament y Gossard, Pearl Jam rompería el gran mercado con su álbum debut Ten. A pesar de ser considerados como uno de los grupos clave dentro de la escena grunge al inicio de los años noventa, Pearl Jam ha sido criticado en repetidas ocasiones por ser parte del corporativo que se vendió con la explosión del rock alternativo.[2] Sin embargo, sus miembros siempre se han caracterizado por su rechazo a adherirse a las prácticas comunes de la industria musical, como por ejemplo negarse a realizar videos promocionales o a su famoso boicot a la empresa Ticketmaster. La revista Rolling Stone los describe como un grupo que "pasó la mayor parte de la década pasada destruyendo su propia fama".[3]
Pearl Jam es considerado por algunos críticos como la banda más importante de la década de 1990,[4] si bien dicho título pueden merecerlo varios grupos. Desde su debut, el grupo ha vendido 30 millones de álbumes en los Estados Unidos,[5] y un estimado de 60 millones en todo el mundo
Inicios 1980 - 1990
Podemos remontar la historia de Pearl Jam a la década de 1980. Los orígenes del grupo se encuentran con Green River, grupo de grunge formado en 1983 con los restos de otras bandas de la escena de Seattle. Green River estaba integrado originalmente por Stone Gossard en la guitarra (del grupo March of Crimes y The Ducky Boys), Jeff Ament en el bajo (del grupo Deranged Diction), el cantante Mark Arm (ex-miembro de los grupos Mr. Epp, Spluii Numa y Limp Richerds, y después miembro de Mudhoney), el guitarrista Steve Turner (ex-miembro de los grupos Mr. Epp, The Limp Richerds y The Ducky Boys, y después miembro de Mudhoney) y el baterista Alex Vincent. Green River llegó a grabar algunos EP y a aparecer en varias recopilaciones de artistas de su discográfica Sub Pop,[8] pero finalmente se desintegró en 1987. Green River es recordado como uno de los primeros grupos importantes del naciente género grunge de Seattle.
Después de la ruptura, Arm y Turner crean el grupo Mudhoney, mientras que Gossard y Ament comienzan a organizar su nuevo proyecto. Hacia 1988 se unen al cantante Andrew Wood (ex-miembro del grupo Malfunkshun) y empiezan a darle forma al grupo que se convierte en Mother Love Bone. Junto con el guitarrista Bruce Fairweather y el baterista Greg Gilmore, aparecen cada vez más dentro de la escena de Seattle y comienzan a llamar la atención por su estilo, en el que se fusionaba el glam rock con el punk.[10] En 1989 logran que la compañía discográfica PolyGram los contrate e inician las grabaciones de lo que sería su primer álbum Apple, proyectado para lanzarse en 1990. Trágicamente, semanas antes del lanzamiento del álbum, Andrew Wood muere por una sobredosis de heroína, el 19 de marzo de ese año.[11]
Con la muerte y desintegración de Mother Love Bone, Ament y Gossard comienzan una vez más la búsqueda de personal para formar un nuevo grupo. En 1990 reclutan al guitarrista Mike McCready (ex-miembro del grupo Shadow) y con él comienzan a tocar como trío de manera informal. Durante este periodo, Chris Cornell, cantante de Soundgarden y amigo personal de Wood, escribe un par de canciones en su homenaje y le pide a Ament, Gossard y McCready que lo ayuden con la grabación de las mismas. El proyecto con el tiempo crece hasta convertirse en un álbum completo de homenaje, tomando el nombre de Temple of the Dog, referencia a la letra de la canción "Man of Golden Words" de Mother Love Bone.[12]
Ya con la ayuda del baterista de Soundgarden, Matt Cameron, el proyecto Temple of the Dog comienza a grabar varias de las canciones que aparecerán en el disco homenaje a Wood. Algunas de las canciones que se grabaron fueron utilizadas como demos de las canciones del nuevo grupo de Ament, Gossard y McCready. Una de esas canciones es "Times of Trouble", la cual, con algunas variaciones en la letra y la música, sería lanzada como un lado B del futuro grupo, llamado "Footsteps".[13]
Sin contar aún con baterista ni cantante, el trío Ament/Gossard/McCready comienza la cacería de los nuevos miembros del grupo. Para acelerar la búsqueda, graban una maqueta de sus composiciones más recientes ayudados por Matt Cameron en la batería, la cual titularon The Gossman Project. La búsqueda la hacen no sólo en la escena de Seattle, sino que van más allá, buscando algún talento incluso con gente con la cual no hubiesen tenido contacto. Una de estas personas es Jack Irons, ex baterista del grupo Red Hot Chilli Peppers.[14]
Irons les pide una demo para poder repartirlo entre sus conocidos; ellos le dan un extracto de cinco canciones del Gossman Project (Conocido actualmente entre los fans como The Stone Gossard Demo '91). Dicha demo contiene las canciones conocidas actualmente como Once, Footsteps, Alive, Black y Alone, todas ellas en versión instrumental.[15] Lo que sucede a continuación ya es parte de la leyenda: Irons, en lugar de conseguirles un baterista (como podría haber sido lógico pensar), le da la demo a su compañero de baloncesto y practicante de surf de la ciudad de San Diego, el cantante Eddie Vedder, quien en ese momento trabajaba como despachador en una gasolinera.
Vedder había sido cantante del grupo de San Diego Bad Radio. La leyenda relata que Vedder, una vez recibido la demo, lo escucha durante toda la noche. A la mañana siguiente, cuando surfeaba como era su costumbre, la música rondaba aún por su cabeza y de esa forma le vienen las letras a la mente.[14] Ya en casa, aprovechando el momento de inspiración, graba las voces de tres de las canciones, renombrándolas como "Alive", "Once" y "Footsteps". Estas canciones Vedder las concibe, como él dirá después, en forma de una mini-ópera, la cual es conocida como la "Mamasan Trilogy".[16] Vedder envía de vuelta a Seattle su demo, la cual impresiona fuertemente a Mike, Stone, Jeff y a su nuevo miembro, el baterista Dave Krusen. En menos de una semana Vedder está en Seattle e inmediatamente dan comienzo las sesiones de lo que será el nuevo disco de la banda, aún sin nombre.[14]
Al mismo tiempo, estando casi listo el proyecto de Temple of the Dog, Chris Cornell invita a Vedder a que juntos canten el tema que será el sencillo de ese disco, la canción "Hunger Strike". De esa manera, la alineación definitiva de dicho proyecto queda con Cornell y Vedder en las voces, Jeff Ament en el bajo, Stone Gossard y Mike McCready en la guitarra y Matt Cameron en la batería.[17] El álbum no es lanzado a la venta hasta abril de 1991.
Ya conjuntados y con varios días de ensayo, el grupo comienza a grabar más demos de estas sesiones con el fin de darse a conocer dentro de la escena de Seattle, a pesar de no tener aún un nombre definido. Varios de estas demos (de los cuales algunos aún existen en manos de fans) estaban grabados en casete, a veces ilustrados a mano por Vedder. Uno de ellos, a manera de broma, tiene en la portada la tarjeta de un jugador de baloncesto de la NBA, Mookie Blaylock, la idea de tomar ese nombre les gusta y fue así como comienzan a hacerse llamar. El grupo debuta, bajo el nombre de Mookie Blaylock, en vivo el 22 de octubre de 1990 en el club Off Ramp de Seattle, apadrinados por Alice in Chains.[18]
Los meses siguientes avanzan demasiado rápido para la naciente banda: en noviembre comienzan la grabación de su primer demo profesional, durante febrero de 1991 salen de gira por toda la Costa Oeste como teloneros de Alice in Chains y para marzo entran de nuevo al estudio para comenzar las grabaciones de su primer disco.
Debido al creciente interés que despierta la naciente escena grunge de Seattle, Cameron Crowe, en ese entonces productor de la cadena estadounidense MTV, comienza a filmar una película cuyo escenario principal es el ambiente musical de la ciudad. Singles representó una excelente forma de dar a conocer al mundo lo que en ese entonces pasaba en Seattle. Eddie Vedder, Stone Gossard y Jeff Ament actúan en la película como miembros de la banda ficticia Citizen Dick, liderada por el protagonista Matt Dillon
Después de firmar con Epic Records, el grupo se ve obligado a cambiar su nombre por problemas comerciales. Aquí comienzan una serie de teorías y mitos acerca del origen del nombre de la banda, que ahora ya es un símbolo en la historia músical moderna: Pearl Jam. El más famoso de los mitos proviene de Vedder mismo. Él narra como su bisabuela, de nombre Pearl, estaba casada con un nativo americano al que ella le preparaba una jalea (jam en inglés) hecha a base de peyote.[20] A pesar de ser considerada como verdadera por mucho tiempo, esta historia es en realidad una broma de Vedder.
En la revista Rolling Stone apareció un reportaje en el cual mencionan una historia diferente acerca del origen del nombre. En ésta cuentan que el grupo tenía entre sus posibles nombres la palabra «Pearl». Después, durante un concierto de Neil Young, cuentan que éste comenzó a realizar unos jams (improvisaciones) que impresionaron al grupo. En ese momento fue Jeff Amentt el que comentó que el grupo podría llamarse Pearl Jam, idea que fue aceptada por los demás integrantes que estaban escuchando el concierto como parte del público.[21] Al parecer es esta la historia real, ya que son varios los miembros del grupo que la relatan.
El primer disco del grupo ve la luz por fin el 27 de agosto de 1991 con el título de Ten, en homenaje a Mookie Blaylock (dicho jugador utilizaba el número diez en su camiseta) y acompañados por la canción "Alive", que es lanzada como su primer sencillo. El disco, al lado de Nevermind de Nirvana, es considerado uno de los motores que dieron al movimiento musical de Seattle su auge mundial. Pearl Jam, junto a grupos como los antes citados Nirvana, Soundgarden y Alice in Chains (conocidos entre los medios como El grupo de las 4) se vuelven la punta de lanza del grunge durante estos años.
Durante finales de 1991 Pearl Jam se dedica a ser grupo telonero de varias bandas importantes como Smashing Pumpkins o Red Hot Chilli Peppers, pero es con el lanzamiento de Ten que el grupo tiene como constante los conciertos en vivo, principalmente en 1992. Para febrero de ese año el grupo da inicio a su primera gira europea; al regresar a Seattle, deben suspender un concierto ya que la asistencia al show (25.000 personas) rebasa por mucho las expectativas que se tenían del concierto.
El 16 de marzo de 1992 graban para la cadena MTV un concierto de su serie Unplugged, el cual es transmitido el 13 de mayo, sin embargo, nunca es lanzado comercialmente. Para junio regresan a Europa, esta vez tocando ante grandes cantidades de público, siendo las actuaciones más famosas su concierto en el PinkPop festival en los Países Bajos y el festival Rock am Ring en Nuremberg, Alemania, donde tocan ante 50.000 personas, sin embargo, es durante esta gira cuando comienzan a darse los primeros síntomas de molestia contra el mundo del estrellato de parte del grupo, ya que durante el concierto realizado en Estocolmo, Suecia, son sustraídos de sus camerinos varios objetos personales, incluido un cuaderno de notas de Vedder. De regreso en Estados Unidos, se unen a Soundgarden, Ministry, Ice Cube y Red Hot Chili Peppers entre otros para participar en la segunda edición del ya mítico festival Lollapalooza.
Para agosto de 1992, es lanzado el vídeo de "Jeremy", tercer sencillo del álbum Ten y uno de los videos musicales más famosos. A la larga, este vídeo provoca el segundo conflicto de la banda, esta vez contra las cadenas de videos musicales (MTV sobre todo), ya que el vídeo fue censurado y en ocasiones prohibido para su transmisión porque, a opinión del grupo, le daban mucha más importancia al impacto visual del vídeo y los conflictos que éste pudiera causar que a la propuesta artística. Pearl Jam aún graba un vídeo más para la canción "Oceans" (el cual sólo es lanzado en Europa), pero a partir de entonces se niegan a grabar un nuevo vídeo promocional para alguna de sus canciones. Jeff Ament resume la actitud del grupo al comentar en una entrevista: "No queremos que la gente recuerde nuestras canciones como videos".[14] Mantendrán esta postura durante 6 años.
Para inicios de 1993 la fama del grupo era impresionante, lo cual comienza a hacerlos sentir incómodos, sobre todo a Eddie Vedder quien lleva la mayor parte de la carga de la popularidad del grupo.[14] En ese año Vedder es invitado por los miembros sobrevivientes de The Doors para cantar algunas canciones del grupo durante la ceremonia de su ingreso al Salón de la Fama del Rock. Hacia junio el grupo sale de nuevo de gira por Europa como teloneros de Neil Young y U2.
Para evitar la ruptura, los miembros del grupo se dedican a buscar proyectos alternos que ayuden a aliviar la tensión que empieza a surgir entre ellos. Es durante esta época en la que cada uno de los miembros del grupo comienza a expandirse y a crear grupos alternos a Pearl Jam o a involucrarse en nuevos ámbitos, relacionados o no con lo musical. También como grupo comienzan a realizar otro tipo de proyectos. Uno de los más significativos es un proyecto radiofónico, donde Pearl Jam se dedica a transmitir en vivo a grupos de la escena grunge como Soundgarden, Mudhoney o Mad Season y al mismo tiempo canciones de la misma banda. Este proyecto fue transmitido el 8 de enero de 1995 y es llamado Self-Pollution Radio. Durante estas retransmisiones, Eddie Vedder anuncia que Jack Irons oficialmente se convierte en su nuevo baterista.[31]
El otro gran proyecto de este año para el grupo, y que a futuro los ayuda a cambiar su rumbo artístico, es participar como banda de apoyo para las grabaciones del nuevo disco de Neil Young, llamado Mirror Ball. Sin las presiones de ser ellos los estelares, el grupo logra una cohesión enorme durante las sesiones, consiguiendo un gran trabajo.
En 1996, con un Pearl Jam renovado y relajado, se dan inicio a las sesiones para su cuarto disco, las que dan como resultado el álbum más discutido del grupo hasta ahora, el polémico No Code. Desde el lanzamiento del primer sencillo "Who You Are" se pronosticaba un cambio drástico en el sonido del grupo. Experimentación es la palabra que define al nuevo disco, algo que muchos fans del grunge y varios críticos no aceptaron en el grupo. No Code es lanzado exactamente cinco años después que Ten y debuta en el número 35 del Billboard Hot 100, el más bajo hasta entonces.
Sin embargo, el logro más grande de No Code es que le da un nuevo impulso al grupo, reencontrando la forma de convivir con la fama sin tener que sacrificar la propuesta artística. Las canciones contenidas en el disco significan un avance en cuanto a lo que venían realizando en sus discos anteriores, con un contenido mucho más espiritual en las letras y un ritmo más relajado a diferencia de la rabia de Vs o Vitalogy.
Después de las convulsiones sufridas, 1997 viene a ser un año de calma al interior del grupo. Cada uno de los miembros se dedica a sus proyectos alternos y aparecer en diversos eventos de beneficencia. El 8 de junio, Eddie Vedder y Mike McCready aparecen en el concierto Tibetan Freedom y en los primeros días de noviembre aparecen como grupo de soporte para los Rolling Stones en cuatro conciertos realizados en Oakland, California. Gracias a esa calma, el grupo logra un gran ambiente artístico que se ve reflejado en las sesiones para su quinto álbum, del cual, al cerrar el año, dan su primera muestra con el lanzamiento en la Nochebuena de 1997 del sencillo "Given To Fly".
Imágen de la señal de tránsito estadounidense Yield (ceder, ceder el paso), que sirvió de inspiración a Pearl Jam para el álbum del mismo nombre.El periodo que comprende estos años puede ser considerado como contradictorio. Mientras que por un lado el grupo sufre varios golpes que los ponen de nueva cuenta al borde de la separación, por otro van adquiriendo poco a poco una gran madurez tanto artística como personal y de grupo. 1998 es el año que ve surgir uno de los discos más aclamados de la banda, Yield. En este álbum se recogen todas las enseñanzas logradas en su predecesor No Code, combinándolas con el rock duro y directo que siempre los caracterizó. De igual forma el grupo poco a poco comienza a reabrirse a la prensa y la televisión, ya que para promover su nuevo disco aparecen en programas de televisión como el "Late Show" con David Letterman, además de lanzar su segundo proyecto radiofónico, esta vez titulado Monkey Wrench Radio.[32]
Además, para apoyar el lanzamiento del álbum, Pearl Jam anuncia una nueva gira a través de todos los Estados Unidos y parte de Oceanía y Hawái, misma que está planeada para durar todo el año completo. Parecía que el grupo regresaba a la normalidad, pero estando ya en plena gira, Jack Irons debe dejar el grupo por problemas de salud. Este fue un golpe importante para el grupo, ya que Irons tenía lazos de amistad muy fuertes principalmente con Eddie Vedder. Providencialmente no tienen dificultad en encontrar un reemplazo, ya que casi de inmediato le solicitaron a un viejo conocido, Matt Cameron, integrarse a la banda para cubrir el hueco dejado por Irons. Cameron en ese momento se encontraba desempleado ya que un año atrás Soundgarden se había desintegrado.
Nuevos proyectos ayudan también a reafirmar la presencia del grupo. Lanzan a la venta su primera realización en vídeo (el documental Single Video Theory) y su primer álbum en vivo oficial (el Live On Two Legs), además de lanzar su primer video promocional en seis años para la canción "Do the Evolution", el cual es grabado completamente en animación dirigido por Todd McFarlane, creador del cómic Spawn.
Como lo habían hecho desde que comenzaron como grupo, Pearl Jam distribuye a su club de fans oficial un disco de colección, el famoso X-Mas Single (sencillo de Navidad). Hasta ese momento no había pasado de ser una rareza sólo para coleccionistas; sin embargo, en la edición de 1998 el grupo incluye dos versiones, "Last Kiss", realizada originalmente en 1964 por J. Frank Wilson and the Cavaliers, y "Soldier of Love", original de Arthur Alexander. Ambas canciones fueron grabadas durante la segunda parte de la gira norteamericana de 1998. Para inicios de 1999 este sencillo, pero principalmente "Last Kiss", comienza a recibir una tremenda difusión por radio, gracias a peticiones masivas hechas por los oyentes.
Fotografía de la Nebulosa MyCn 18 o Reloj de arena tomada desde el Telescopio espacial Hubble. Esta imagen fue usada por el grupo para ilustrar la portada del álbum Binaural.La demanda que tienen las canciones del X-Mas Single se vuelve tan grande, que el grupo decide, el 8 de junio de 1999, lanzar de manera comercial el sencillo "Last Kiss"/ "Soldier of Love". Una semana después, ambas canciones son incluidas en el disco a beneficio de los refugiados de Kosovo No Boundaries, lo cual impulsa las ventas del sencillo aún más. Antes de que terminara el mes, el sencillo alcanza el número 2 en la lista Billboard Hot 100 (su sencillo que mejor puesto ha ocupado hasta 2007). Ya para abril de 2000, el álbum recauda más de 6,7 millones de dólares estadounidenses, y el sencillo "Last Kiss" se convierte en el éxito comercial más grande que Pearl Jam ha tenido hasta la fecha.
El año 1999 termina ya sin grandes sobresaltos, comenzando las sesiones de su nuevo álbum el 1 de septiembre, ya con Matt Cameron como baterista de planta. A finales de año lanzan la página web oficial del club de fans del grupo, llamada en ese entonces como Tenclub.net.
El sexto disco de la banda, Binaural ve la luz con los primeros meses de 2000, el 16 de mayo, y casi simultáneamente anuncian su primera gira europea en 5 años. Para el 23 de mayo se embarcan en una de las giras que les lleva a recorrer casi toda Europa y que marcará en muchas formas el destino del grupo.
Desde los inicios del grupo, Pearl Jam ha sido, junto con Nirvana y U2, una de las bandas que más ha sido pirateada. Es posible encontrar un catálogo enorme de ediciones alternativas y actuaciones en vivo del grupo grabados de forma ilegal (o bootlegs, como se les conoce en el ámbito musical). Pearl Jam era consciente de esta actividad, hasta el punto que no sólo la había permitido,[33] sino que para la gira europea del 2000 anunció que lanzarían a la venta la totalidad de los conciertos en discos dobles. La idea original era ofrecer estos bootlegs oficiales sólo al club de fans,[34] pero por cuestiones contractuales se vieron obligados a lanzar la totalidad de bootlegs, que al final de la gira de 2000 serían 72, en tiendas. De este modo nacen las famosas Bootleg Series de Pearl Jam. Hasta la fecha en cada una de sus giras han seguido ofreciendo sus bootlegs en vivo.
Uno de los discos de los Bootlegs Series 2000 de Pearl Jam.Todo parece indicar que la gira europea terminaría de forma normal, sin embargo la tragedia alcanzó al grupo en uno de sus conciertos. El 30 de junio de 2000, mientras Pearl Jam actuaba en el Festival Roskilde en Dinamarca, la multitud comienza a avanzar hacia el escenario, aplastando contra las bardas de contención a la gente que se encuentra en la parte más cercana al escenario, todo esto ante los mismos ojos de la banda. Un Eddie Vedder atónito interrumpe el concierto y pide a través del micrófono que la gente dé un paso hacia atrás, pero todo resulta inútil, 9 personas mueren aplastadas debido al empuje de la gente de la parte frontal.[35]
Ante la tragedia el grupo se tambalea. Se cancelan los últimos dos conciertos de la gira europea y las ideas de separación comienzan a rondar al interior del grupo. El resultado de la investigación policial sobre la tragedia revela que fueron problemas técnicos los que provocaron el suceso,[36] evitando con esto en cierta manera que el grupo se sienta responsable de las muertes y se separe por esta causa. El grupo decide continuar con sus planes, comenzando con la gira norteamericana, donde además se incluye el concierto donde celebran su décimo aniversario. Sin embargo, a manera de homenaje a los caídos, el grupo no interpreta la canción "Alive" en ninguno de esos conciertos hasta el final, realizado en Seattle.
El año siguiente es un año de calma para el grupo, si bien sus proyectos no paran. Para mayo de 2001 se lanza el DVD Touring Band 2000, recopilación de los mejores momentos de la gira estadounidense de 2000. Después de los atentados del 11 de septiembre a las Torres Gemelas de Nueva York; Eddie Vedder, Mike McCready, y Neil Young interpretan la canción "Long Road" en el programa America: A Tribute to Heroes, a beneficio de las familias de las víctimas del atentado.
Este periodo está caracterizado por el fuerte activismo en los que los miembros del grupo (y en especial Eddie Vedder) se ven involucrados, influidos principalmente por las actitudes del gobierno estadounidense frente a los ataques del 11 de septiembre.
Durante gran parte del año el grupo se encierra para la grabación de su séptimo álbum de estudio, así que sus interpretaciones en vivo son muy pocas. Sobresale la participación de Eddie Vedder en la inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll de The Ramones, el 18 de marzo de 2002.
Mientras se encontraban grabando en el estudio, el 19 de abril de 2002, se anuncia la muerte de Layne Staley, cantante del grupo Alice in Chains, causada por una sobredosis de heroína. La noticia impacta fuertemente al grupo e inspira a Eddie Vedder a escribir una canción dedicada a Staley titulada "4/20/02". La canción no se lanza hasta 2004, como parte de la recopilación de lados-B y rarezas del grupo llamada Lost Dogs.
El nuevo disco comienza a ver la luz con el lanzamiento de su primer sencillo, titulado "I Am Mine", lanzado el 8 de octubre de 2002 y con el lanzamiento mundial de Riot Act el 12 de noviembre. A pesar de la expectativa generada, el álbum sólo vende 166.000 copias en su semana de lanzamiento (mucho menos de lo logrado por todos sus lanzamientos anteriores). Riot Act se caracteriza por un sonido más basado en el folk y la música experimental, apoyados por un órgano B3, ejecutado por un miembro no oficial del grupo, Kenneth Boom Gaspar, y que le da al álbum un sello inusual en el grupo en canciones como "Love Boat Captain" por ejemplo. Además, se incluye una canción titulada "Arc", un experimento vocal realizado por Vedder a manera de tributo a las nueve personas que murieron en el Festival Roskilde en junio de 2000. "Arc" fue interpretada también en vivo, solamente en nueve ocasiones durante la gira de 2003 y fue eliminada de los bootlegs correspondientes como un acto de respeto.
Cartel no oficial de la primera visita de Pearl Jam a México.El 2003 inicia con la nueva gira mundial de la banda, la cual cubre originalmente Japón, Australia y los Estados Unidos. Esta gira pronto se vuelve controversial, ya que Vedder comienza a incluir un show anti-Bush cuando la banda interpreta la canción "Bu$hleaguer", el cual no siempre es bien recibido por los espectadores. Mención aparte merece lo sucedido en el concierto inaugural de la gira norteamericana, realizado en la ciudad de Denver, el 1 de abril de 2003.[37] En este concierto, el publico queda atónito al ver como Eddie Vedder comienza a golpear una mascara del presidente George W. Bush. Mucha gente abuchea el acto y abandona el recinto ante la sorpresa de todo el grupo.[38]
Durante esta gira el grupo trata de hacer cosas nuevas en los conciertos. En algunas ocasiones dando recitales de más de 30 canciones, ofreciendo un espectáculo previo semi-acústico en Boston, o procurando repetir las menos canciones posibles entre cada concierto. Hacia mayo, el grupo anuncia una extensión de su gira norteamericana, en la cual se incluye por vez primera a México. La gira en México resulta diferente en varios aspectos, ya que previo a su primer concierto, el 17 de julio de 2003, el grupo ofrece su primera conferencia de prensa en casi 10 años. Además, el tercer concierto del grupo en la Ciudad de México es transmitido en vivo por radio y televisión a toda América Latina.
Para esta gira Pearl Jam continua con su proyecto de ofrecer los bootlegs de sus conciertos del 2003, con la diferencia de que sólo seis son lanzados a la venta al público,[39] mientras que la totalidad de los conciertos sólo son ofrecidos en su página web.
2003 termina para ellos con nuevos lanzamientos. Colaboran con el director Tim Burton con el tema "Man of the Hour" para su película Big Fish, editan su colección de dos discos de rarezas y lados B, Lost Dogs; y lanzan el Live at the Garden, DVD con el concierto realizado en el Madison Square Garden el 8 de julio de 2003.
El año 2004 transcurre con muy poca actividad del grupo, ya que cada uno de los miembros se dedica a proyectos personales. De este año cabe destacar el fuerte activismo del grupo debido a que en los Estados Unidos se encuentra en año de elecciones presidenciales. Para reafirmar la postura anti-Bush que han asumido, Pearl Jam toca la canción "Masters of War", original de Bob Dylan en el programa Late Show with David Letterman del 30 de septiembre, como preámbulo a su participación en la gira Vote For Change (Voto por el cambio).[40] Esta gira se realiza del 1 al 13 de octubre a lo largo de varias ciudades estadounidenses, acompañados de grupos como Dixie Chicks, Dave Matthews Band, R.E.M., todo esto como parte de la campaña de concienciación para evitar la reelección de George W. Bush como presidente. Ya hacia final del año lanzan su primer disco de Grandes éxitos titulado Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003.
A diferencia del año anterior, 2005 lleva a Pearl Jam de gira a través de varios lugares de América, la cual les servirá de preparación para el nuevo disco que estaban ya planeando. Un adelanto de ese disco lo dan el 18 de marzo en un concierto en Seattle, donde estrenarían la canción "Crapshoot".[41]
Para abril de 2005 anuncian la realización de una gira que abarca varias ciudades de Canadá. El 13 de julio realizan un concierto en la ciudad de Missoula, Montana, para apoyar la candidatura al Senado de los Estados Unidos de Jon Tester.
El 1 de septiembre inicia su gira norteamericana con un concierto especial en el Anfiteatro Gorge, en las afueras de Seattle, interpretando un concierto acústico y eléctrico que dura poco más 3 horas (interpretan en total 36 canciones) y arrancan su gira canadiense al día siguiente en la ciudad de Vancouver, la cual los lleva a través de ciudades donde nunca antes habían tocado. Al mismo tiempo dan la noticia de que al concluir la gira canadiense realizarán su primera gira por toda Latinoamérica, parando en Chile, Argentina, Brasil y México. Para todos estos conciertos, el grupo anuncia que su nueva serie de Bootlegs serán solo lanzados en formato MP3 y distribuidos en su página web oficial. Este hecho marca un precedente ya que después del escándalo provocado por el programa Napster, las empresas discográficas y muchos grupos musicales se habían dedicado a satanizar el uso y venta de la música en formatos para computadora.
Formada después de la desintegración de Mother Love Bone, grupo anterior de Ament y Gossard, Pearl Jam rompería el gran mercado con su álbum debut Ten. A pesar de ser considerados como uno de los grupos clave dentro de la escena grunge al inicio de los años noventa, Pearl Jam ha sido criticado en repetidas ocasiones por ser parte del corporativo que se vendió con la explosión del rock alternativo.[2] Sin embargo, sus miembros siempre se han caracterizado por su rechazo a adherirse a las prácticas comunes de la industria musical, como por ejemplo negarse a realizar videos promocionales o a su famoso boicot a la empresa Ticketmaster. La revista Rolling Stone los describe como un grupo que "pasó la mayor parte de la década pasada destruyendo su propia fama".[3]
Pearl Jam es considerado por algunos críticos como la banda más importante de la década de 1990,[4] si bien dicho título pueden merecerlo varios grupos. Desde su debut, el grupo ha vendido 30 millones de álbumes en los Estados Unidos,[5] y un estimado de 60 millones en todo el mundo
Inicios 1980 - 1990
Podemos remontar la historia de Pearl Jam a la década de 1980. Los orígenes del grupo se encuentran con Green River, grupo de grunge formado en 1983 con los restos de otras bandas de la escena de Seattle. Green River estaba integrado originalmente por Stone Gossard en la guitarra (del grupo March of Crimes y The Ducky Boys), Jeff Ament en el bajo (del grupo Deranged Diction), el cantante Mark Arm (ex-miembro de los grupos Mr. Epp, Spluii Numa y Limp Richerds, y después miembro de Mudhoney), el guitarrista Steve Turner (ex-miembro de los grupos Mr. Epp, The Limp Richerds y The Ducky Boys, y después miembro de Mudhoney) y el baterista Alex Vincent. Green River llegó a grabar algunos EP y a aparecer en varias recopilaciones de artistas de su discográfica Sub Pop,[8] pero finalmente se desintegró en 1987. Green River es recordado como uno de los primeros grupos importantes del naciente género grunge de Seattle.
Después de la ruptura, Arm y Turner crean el grupo Mudhoney, mientras que Gossard y Ament comienzan a organizar su nuevo proyecto. Hacia 1988 se unen al cantante Andrew Wood (ex-miembro del grupo Malfunkshun) y empiezan a darle forma al grupo que se convierte en Mother Love Bone. Junto con el guitarrista Bruce Fairweather y el baterista Greg Gilmore, aparecen cada vez más dentro de la escena de Seattle y comienzan a llamar la atención por su estilo, en el que se fusionaba el glam rock con el punk.[10] En 1989 logran que la compañía discográfica PolyGram los contrate e inician las grabaciones de lo que sería su primer álbum Apple, proyectado para lanzarse en 1990. Trágicamente, semanas antes del lanzamiento del álbum, Andrew Wood muere por una sobredosis de heroína, el 19 de marzo de ese año.[11]
Con la muerte y desintegración de Mother Love Bone, Ament y Gossard comienzan una vez más la búsqueda de personal para formar un nuevo grupo. En 1990 reclutan al guitarrista Mike McCready (ex-miembro del grupo Shadow) y con él comienzan a tocar como trío de manera informal. Durante este periodo, Chris Cornell, cantante de Soundgarden y amigo personal de Wood, escribe un par de canciones en su homenaje y le pide a Ament, Gossard y McCready que lo ayuden con la grabación de las mismas. El proyecto con el tiempo crece hasta convertirse en un álbum completo de homenaje, tomando el nombre de Temple of the Dog, referencia a la letra de la canción "Man of Golden Words" de Mother Love Bone.[12]
Ya con la ayuda del baterista de Soundgarden, Matt Cameron, el proyecto Temple of the Dog comienza a grabar varias de las canciones que aparecerán en el disco homenaje a Wood. Algunas de las canciones que se grabaron fueron utilizadas como demos de las canciones del nuevo grupo de Ament, Gossard y McCready. Una de esas canciones es "Times of Trouble", la cual, con algunas variaciones en la letra y la música, sería lanzada como un lado B del futuro grupo, llamado "Footsteps".[13]
Sin contar aún con baterista ni cantante, el trío Ament/Gossard/McCready comienza la cacería de los nuevos miembros del grupo. Para acelerar la búsqueda, graban una maqueta de sus composiciones más recientes ayudados por Matt Cameron en la batería, la cual titularon The Gossman Project. La búsqueda la hacen no sólo en la escena de Seattle, sino que van más allá, buscando algún talento incluso con gente con la cual no hubiesen tenido contacto. Una de estas personas es Jack Irons, ex baterista del grupo Red Hot Chilli Peppers.[14]
Irons les pide una demo para poder repartirlo entre sus conocidos; ellos le dan un extracto de cinco canciones del Gossman Project (Conocido actualmente entre los fans como The Stone Gossard Demo '91). Dicha demo contiene las canciones conocidas actualmente como Once, Footsteps, Alive, Black y Alone, todas ellas en versión instrumental.[15] Lo que sucede a continuación ya es parte de la leyenda: Irons, en lugar de conseguirles un baterista (como podría haber sido lógico pensar), le da la demo a su compañero de baloncesto y practicante de surf de la ciudad de San Diego, el cantante Eddie Vedder, quien en ese momento trabajaba como despachador en una gasolinera.
Vedder había sido cantante del grupo de San Diego Bad Radio. La leyenda relata que Vedder, una vez recibido la demo, lo escucha durante toda la noche. A la mañana siguiente, cuando surfeaba como era su costumbre, la música rondaba aún por su cabeza y de esa forma le vienen las letras a la mente.[14] Ya en casa, aprovechando el momento de inspiración, graba las voces de tres de las canciones, renombrándolas como "Alive", "Once" y "Footsteps". Estas canciones Vedder las concibe, como él dirá después, en forma de una mini-ópera, la cual es conocida como la "Mamasan Trilogy".[16] Vedder envía de vuelta a Seattle su demo, la cual impresiona fuertemente a Mike, Stone, Jeff y a su nuevo miembro, el baterista Dave Krusen. En menos de una semana Vedder está en Seattle e inmediatamente dan comienzo las sesiones de lo que será el nuevo disco de la banda, aún sin nombre.[14]
Al mismo tiempo, estando casi listo el proyecto de Temple of the Dog, Chris Cornell invita a Vedder a que juntos canten el tema que será el sencillo de ese disco, la canción "Hunger Strike". De esa manera, la alineación definitiva de dicho proyecto queda con Cornell y Vedder en las voces, Jeff Ament en el bajo, Stone Gossard y Mike McCready en la guitarra y Matt Cameron en la batería.[17] El álbum no es lanzado a la venta hasta abril de 1991.
Ya conjuntados y con varios días de ensayo, el grupo comienza a grabar más demos de estas sesiones con el fin de darse a conocer dentro de la escena de Seattle, a pesar de no tener aún un nombre definido. Varios de estas demos (de los cuales algunos aún existen en manos de fans) estaban grabados en casete, a veces ilustrados a mano por Vedder. Uno de ellos, a manera de broma, tiene en la portada la tarjeta de un jugador de baloncesto de la NBA, Mookie Blaylock, la idea de tomar ese nombre les gusta y fue así como comienzan a hacerse llamar. El grupo debuta, bajo el nombre de Mookie Blaylock, en vivo el 22 de octubre de 1990 en el club Off Ramp de Seattle, apadrinados por Alice in Chains.[18]
Los meses siguientes avanzan demasiado rápido para la naciente banda: en noviembre comienzan la grabación de su primer demo profesional, durante febrero de 1991 salen de gira por toda la Costa Oeste como teloneros de Alice in Chains y para marzo entran de nuevo al estudio para comenzar las grabaciones de su primer disco.
Debido al creciente interés que despierta la naciente escena grunge de Seattle, Cameron Crowe, en ese entonces productor de la cadena estadounidense MTV, comienza a filmar una película cuyo escenario principal es el ambiente musical de la ciudad. Singles representó una excelente forma de dar a conocer al mundo lo que en ese entonces pasaba en Seattle. Eddie Vedder, Stone Gossard y Jeff Ament actúan en la película como miembros de la banda ficticia Citizen Dick, liderada por el protagonista Matt Dillon
Después de firmar con Epic Records, el grupo se ve obligado a cambiar su nombre por problemas comerciales. Aquí comienzan una serie de teorías y mitos acerca del origen del nombre de la banda, que ahora ya es un símbolo en la historia músical moderna: Pearl Jam. El más famoso de los mitos proviene de Vedder mismo. Él narra como su bisabuela, de nombre Pearl, estaba casada con un nativo americano al que ella le preparaba una jalea (jam en inglés) hecha a base de peyote.[20] A pesar de ser considerada como verdadera por mucho tiempo, esta historia es en realidad una broma de Vedder.
En la revista Rolling Stone apareció un reportaje en el cual mencionan una historia diferente acerca del origen del nombre. En ésta cuentan que el grupo tenía entre sus posibles nombres la palabra «Pearl». Después, durante un concierto de Neil Young, cuentan que éste comenzó a realizar unos jams (improvisaciones) que impresionaron al grupo. En ese momento fue Jeff Amentt el que comentó que el grupo podría llamarse Pearl Jam, idea que fue aceptada por los demás integrantes que estaban escuchando el concierto como parte del público.[21] Al parecer es esta la historia real, ya que son varios los miembros del grupo que la relatan.
El primer disco del grupo ve la luz por fin el 27 de agosto de 1991 con el título de Ten, en homenaje a Mookie Blaylock (dicho jugador utilizaba el número diez en su camiseta) y acompañados por la canción "Alive", que es lanzada como su primer sencillo. El disco, al lado de Nevermind de Nirvana, es considerado uno de los motores que dieron al movimiento musical de Seattle su auge mundial. Pearl Jam, junto a grupos como los antes citados Nirvana, Soundgarden y Alice in Chains (conocidos entre los medios como El grupo de las 4) se vuelven la punta de lanza del grunge durante estos años.
Durante finales de 1991 Pearl Jam se dedica a ser grupo telonero de varias bandas importantes como Smashing Pumpkins o Red Hot Chilli Peppers, pero es con el lanzamiento de Ten que el grupo tiene como constante los conciertos en vivo, principalmente en 1992. Para febrero de ese año el grupo da inicio a su primera gira europea; al regresar a Seattle, deben suspender un concierto ya que la asistencia al show (25.000 personas) rebasa por mucho las expectativas que se tenían del concierto.
El 16 de marzo de 1992 graban para la cadena MTV un concierto de su serie Unplugged, el cual es transmitido el 13 de mayo, sin embargo, nunca es lanzado comercialmente. Para junio regresan a Europa, esta vez tocando ante grandes cantidades de público, siendo las actuaciones más famosas su concierto en el PinkPop festival en los Países Bajos y el festival Rock am Ring en Nuremberg, Alemania, donde tocan ante 50.000 personas, sin embargo, es durante esta gira cuando comienzan a darse los primeros síntomas de molestia contra el mundo del estrellato de parte del grupo, ya que durante el concierto realizado en Estocolmo, Suecia, son sustraídos de sus camerinos varios objetos personales, incluido un cuaderno de notas de Vedder. De regreso en Estados Unidos, se unen a Soundgarden, Ministry, Ice Cube y Red Hot Chili Peppers entre otros para participar en la segunda edición del ya mítico festival Lollapalooza.
Para agosto de 1992, es lanzado el vídeo de "Jeremy", tercer sencillo del álbum Ten y uno de los videos musicales más famosos. A la larga, este vídeo provoca el segundo conflicto de la banda, esta vez contra las cadenas de videos musicales (MTV sobre todo), ya que el vídeo fue censurado y en ocasiones prohibido para su transmisión porque, a opinión del grupo, le daban mucha más importancia al impacto visual del vídeo y los conflictos que éste pudiera causar que a la propuesta artística. Pearl Jam aún graba un vídeo más para la canción "Oceans" (el cual sólo es lanzado en Europa), pero a partir de entonces se niegan a grabar un nuevo vídeo promocional para alguna de sus canciones. Jeff Ament resume la actitud del grupo al comentar en una entrevista: "No queremos que la gente recuerde nuestras canciones como videos".[14] Mantendrán esta postura durante 6 años.
Para inicios de 1993 la fama del grupo era impresionante, lo cual comienza a hacerlos sentir incómodos, sobre todo a Eddie Vedder quien lleva la mayor parte de la carga de la popularidad del grupo.[14] En ese año Vedder es invitado por los miembros sobrevivientes de The Doors para cantar algunas canciones del grupo durante la ceremonia de su ingreso al Salón de la Fama del Rock. Hacia junio el grupo sale de nuevo de gira por Europa como teloneros de Neil Young y U2.
Para evitar la ruptura, los miembros del grupo se dedican a buscar proyectos alternos que ayuden a aliviar la tensión que empieza a surgir entre ellos. Es durante esta época en la que cada uno de los miembros del grupo comienza a expandirse y a crear grupos alternos a Pearl Jam o a involucrarse en nuevos ámbitos, relacionados o no con lo musical. También como grupo comienzan a realizar otro tipo de proyectos. Uno de los más significativos es un proyecto radiofónico, donde Pearl Jam se dedica a transmitir en vivo a grupos de la escena grunge como Soundgarden, Mudhoney o Mad Season y al mismo tiempo canciones de la misma banda. Este proyecto fue transmitido el 8 de enero de 1995 y es llamado Self-Pollution Radio. Durante estas retransmisiones, Eddie Vedder anuncia que Jack Irons oficialmente se convierte en su nuevo baterista.[31]
El otro gran proyecto de este año para el grupo, y que a futuro los ayuda a cambiar su rumbo artístico, es participar como banda de apoyo para las grabaciones del nuevo disco de Neil Young, llamado Mirror Ball. Sin las presiones de ser ellos los estelares, el grupo logra una cohesión enorme durante las sesiones, consiguiendo un gran trabajo.
En 1996, con un Pearl Jam renovado y relajado, se dan inicio a las sesiones para su cuarto disco, las que dan como resultado el álbum más discutido del grupo hasta ahora, el polémico No Code. Desde el lanzamiento del primer sencillo "Who You Are" se pronosticaba un cambio drástico en el sonido del grupo. Experimentación es la palabra que define al nuevo disco, algo que muchos fans del grunge y varios críticos no aceptaron en el grupo. No Code es lanzado exactamente cinco años después que Ten y debuta en el número 35 del Billboard Hot 100, el más bajo hasta entonces.
Sin embargo, el logro más grande de No Code es que le da un nuevo impulso al grupo, reencontrando la forma de convivir con la fama sin tener que sacrificar la propuesta artística. Las canciones contenidas en el disco significan un avance en cuanto a lo que venían realizando en sus discos anteriores, con un contenido mucho más espiritual en las letras y un ritmo más relajado a diferencia de la rabia de Vs o Vitalogy.
Después de las convulsiones sufridas, 1997 viene a ser un año de calma al interior del grupo. Cada uno de los miembros se dedica a sus proyectos alternos y aparecer en diversos eventos de beneficencia. El 8 de junio, Eddie Vedder y Mike McCready aparecen en el concierto Tibetan Freedom y en los primeros días de noviembre aparecen como grupo de soporte para los Rolling Stones en cuatro conciertos realizados en Oakland, California. Gracias a esa calma, el grupo logra un gran ambiente artístico que se ve reflejado en las sesiones para su quinto álbum, del cual, al cerrar el año, dan su primera muestra con el lanzamiento en la Nochebuena de 1997 del sencillo "Given To Fly".
Imágen de la señal de tránsito estadounidense Yield (ceder, ceder el paso), que sirvió de inspiración a Pearl Jam para el álbum del mismo nombre.El periodo que comprende estos años puede ser considerado como contradictorio. Mientras que por un lado el grupo sufre varios golpes que los ponen de nueva cuenta al borde de la separación, por otro van adquiriendo poco a poco una gran madurez tanto artística como personal y de grupo. 1998 es el año que ve surgir uno de los discos más aclamados de la banda, Yield. En este álbum se recogen todas las enseñanzas logradas en su predecesor No Code, combinándolas con el rock duro y directo que siempre los caracterizó. De igual forma el grupo poco a poco comienza a reabrirse a la prensa y la televisión, ya que para promover su nuevo disco aparecen en programas de televisión como el "Late Show" con David Letterman, además de lanzar su segundo proyecto radiofónico, esta vez titulado Monkey Wrench Radio.[32]
Además, para apoyar el lanzamiento del álbum, Pearl Jam anuncia una nueva gira a través de todos los Estados Unidos y parte de Oceanía y Hawái, misma que está planeada para durar todo el año completo. Parecía que el grupo regresaba a la normalidad, pero estando ya en plena gira, Jack Irons debe dejar el grupo por problemas de salud. Este fue un golpe importante para el grupo, ya que Irons tenía lazos de amistad muy fuertes principalmente con Eddie Vedder. Providencialmente no tienen dificultad en encontrar un reemplazo, ya que casi de inmediato le solicitaron a un viejo conocido, Matt Cameron, integrarse a la banda para cubrir el hueco dejado por Irons. Cameron en ese momento se encontraba desempleado ya que un año atrás Soundgarden se había desintegrado.
Nuevos proyectos ayudan también a reafirmar la presencia del grupo. Lanzan a la venta su primera realización en vídeo (el documental Single Video Theory) y su primer álbum en vivo oficial (el Live On Two Legs), además de lanzar su primer video promocional en seis años para la canción "Do the Evolution", el cual es grabado completamente en animación dirigido por Todd McFarlane, creador del cómic Spawn.
Como lo habían hecho desde que comenzaron como grupo, Pearl Jam distribuye a su club de fans oficial un disco de colección, el famoso X-Mas Single (sencillo de Navidad). Hasta ese momento no había pasado de ser una rareza sólo para coleccionistas; sin embargo, en la edición de 1998 el grupo incluye dos versiones, "Last Kiss", realizada originalmente en 1964 por J. Frank Wilson and the Cavaliers, y "Soldier of Love", original de Arthur Alexander. Ambas canciones fueron grabadas durante la segunda parte de la gira norteamericana de 1998. Para inicios de 1999 este sencillo, pero principalmente "Last Kiss", comienza a recibir una tremenda difusión por radio, gracias a peticiones masivas hechas por los oyentes.
Fotografía de la Nebulosa MyCn 18 o Reloj de arena tomada desde el Telescopio espacial Hubble. Esta imagen fue usada por el grupo para ilustrar la portada del álbum Binaural.La demanda que tienen las canciones del X-Mas Single se vuelve tan grande, que el grupo decide, el 8 de junio de 1999, lanzar de manera comercial el sencillo "Last Kiss"/ "Soldier of Love". Una semana después, ambas canciones son incluidas en el disco a beneficio de los refugiados de Kosovo No Boundaries, lo cual impulsa las ventas del sencillo aún más. Antes de que terminara el mes, el sencillo alcanza el número 2 en la lista Billboard Hot 100 (su sencillo que mejor puesto ha ocupado hasta 2007). Ya para abril de 2000, el álbum recauda más de 6,7 millones de dólares estadounidenses, y el sencillo "Last Kiss" se convierte en el éxito comercial más grande que Pearl Jam ha tenido hasta la fecha.
El año 1999 termina ya sin grandes sobresaltos, comenzando las sesiones de su nuevo álbum el 1 de septiembre, ya con Matt Cameron como baterista de planta. A finales de año lanzan la página web oficial del club de fans del grupo, llamada en ese entonces como Tenclub.net.
El sexto disco de la banda, Binaural ve la luz con los primeros meses de 2000, el 16 de mayo, y casi simultáneamente anuncian su primera gira europea en 5 años. Para el 23 de mayo se embarcan en una de las giras que les lleva a recorrer casi toda Europa y que marcará en muchas formas el destino del grupo.
Desde los inicios del grupo, Pearl Jam ha sido, junto con Nirvana y U2, una de las bandas que más ha sido pirateada. Es posible encontrar un catálogo enorme de ediciones alternativas y actuaciones en vivo del grupo grabados de forma ilegal (o bootlegs, como se les conoce en el ámbito musical). Pearl Jam era consciente de esta actividad, hasta el punto que no sólo la había permitido,[33] sino que para la gira europea del 2000 anunció que lanzarían a la venta la totalidad de los conciertos en discos dobles. La idea original era ofrecer estos bootlegs oficiales sólo al club de fans,[34] pero por cuestiones contractuales se vieron obligados a lanzar la totalidad de bootlegs, que al final de la gira de 2000 serían 72, en tiendas. De este modo nacen las famosas Bootleg Series de Pearl Jam. Hasta la fecha en cada una de sus giras han seguido ofreciendo sus bootlegs en vivo.
Uno de los discos de los Bootlegs Series 2000 de Pearl Jam.Todo parece indicar que la gira europea terminaría de forma normal, sin embargo la tragedia alcanzó al grupo en uno de sus conciertos. El 30 de junio de 2000, mientras Pearl Jam actuaba en el Festival Roskilde en Dinamarca, la multitud comienza a avanzar hacia el escenario, aplastando contra las bardas de contención a la gente que se encuentra en la parte más cercana al escenario, todo esto ante los mismos ojos de la banda. Un Eddie Vedder atónito interrumpe el concierto y pide a través del micrófono que la gente dé un paso hacia atrás, pero todo resulta inútil, 9 personas mueren aplastadas debido al empuje de la gente de la parte frontal.[35]
Ante la tragedia el grupo se tambalea. Se cancelan los últimos dos conciertos de la gira europea y las ideas de separación comienzan a rondar al interior del grupo. El resultado de la investigación policial sobre la tragedia revela que fueron problemas técnicos los que provocaron el suceso,[36] evitando con esto en cierta manera que el grupo se sienta responsable de las muertes y se separe por esta causa. El grupo decide continuar con sus planes, comenzando con la gira norteamericana, donde además se incluye el concierto donde celebran su décimo aniversario. Sin embargo, a manera de homenaje a los caídos, el grupo no interpreta la canción "Alive" en ninguno de esos conciertos hasta el final, realizado en Seattle.
El año siguiente es un año de calma para el grupo, si bien sus proyectos no paran. Para mayo de 2001 se lanza el DVD Touring Band 2000, recopilación de los mejores momentos de la gira estadounidense de 2000. Después de los atentados del 11 de septiembre a las Torres Gemelas de Nueva York; Eddie Vedder, Mike McCready, y Neil Young interpretan la canción "Long Road" en el programa America: A Tribute to Heroes, a beneficio de las familias de las víctimas del atentado.
Este periodo está caracterizado por el fuerte activismo en los que los miembros del grupo (y en especial Eddie Vedder) se ven involucrados, influidos principalmente por las actitudes del gobierno estadounidense frente a los ataques del 11 de septiembre.
Durante gran parte del año el grupo se encierra para la grabación de su séptimo álbum de estudio, así que sus interpretaciones en vivo son muy pocas. Sobresale la participación de Eddie Vedder en la inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll de The Ramones, el 18 de marzo de 2002.
Mientras se encontraban grabando en el estudio, el 19 de abril de 2002, se anuncia la muerte de Layne Staley, cantante del grupo Alice in Chains, causada por una sobredosis de heroína. La noticia impacta fuertemente al grupo e inspira a Eddie Vedder a escribir una canción dedicada a Staley titulada "4/20/02". La canción no se lanza hasta 2004, como parte de la recopilación de lados-B y rarezas del grupo llamada Lost Dogs.
El nuevo disco comienza a ver la luz con el lanzamiento de su primer sencillo, titulado "I Am Mine", lanzado el 8 de octubre de 2002 y con el lanzamiento mundial de Riot Act el 12 de noviembre. A pesar de la expectativa generada, el álbum sólo vende 166.000 copias en su semana de lanzamiento (mucho menos de lo logrado por todos sus lanzamientos anteriores). Riot Act se caracteriza por un sonido más basado en el folk y la música experimental, apoyados por un órgano B3, ejecutado por un miembro no oficial del grupo, Kenneth Boom Gaspar, y que le da al álbum un sello inusual en el grupo en canciones como "Love Boat Captain" por ejemplo. Además, se incluye una canción titulada "Arc", un experimento vocal realizado por Vedder a manera de tributo a las nueve personas que murieron en el Festival Roskilde en junio de 2000. "Arc" fue interpretada también en vivo, solamente en nueve ocasiones durante la gira de 2003 y fue eliminada de los bootlegs correspondientes como un acto de respeto.
Cartel no oficial de la primera visita de Pearl Jam a México.El 2003 inicia con la nueva gira mundial de la banda, la cual cubre originalmente Japón, Australia y los Estados Unidos. Esta gira pronto se vuelve controversial, ya que Vedder comienza a incluir un show anti-Bush cuando la banda interpreta la canción "Bu$hleaguer", el cual no siempre es bien recibido por los espectadores. Mención aparte merece lo sucedido en el concierto inaugural de la gira norteamericana, realizado en la ciudad de Denver, el 1 de abril de 2003.[37] En este concierto, el publico queda atónito al ver como Eddie Vedder comienza a golpear una mascara del presidente George W. Bush. Mucha gente abuchea el acto y abandona el recinto ante la sorpresa de todo el grupo.[38]
Durante esta gira el grupo trata de hacer cosas nuevas en los conciertos. En algunas ocasiones dando recitales de más de 30 canciones, ofreciendo un espectáculo previo semi-acústico en Boston, o procurando repetir las menos canciones posibles entre cada concierto. Hacia mayo, el grupo anuncia una extensión de su gira norteamericana, en la cual se incluye por vez primera a México. La gira en México resulta diferente en varios aspectos, ya que previo a su primer concierto, el 17 de julio de 2003, el grupo ofrece su primera conferencia de prensa en casi 10 años. Además, el tercer concierto del grupo en la Ciudad de México es transmitido en vivo por radio y televisión a toda América Latina.
Para esta gira Pearl Jam continua con su proyecto de ofrecer los bootlegs de sus conciertos del 2003, con la diferencia de que sólo seis son lanzados a la venta al público,[39] mientras que la totalidad de los conciertos sólo son ofrecidos en su página web.
2003 termina para ellos con nuevos lanzamientos. Colaboran con el director Tim Burton con el tema "Man of the Hour" para su película Big Fish, editan su colección de dos discos de rarezas y lados B, Lost Dogs; y lanzan el Live at the Garden, DVD con el concierto realizado en el Madison Square Garden el 8 de julio de 2003.
El año 2004 transcurre con muy poca actividad del grupo, ya que cada uno de los miembros se dedica a proyectos personales. De este año cabe destacar el fuerte activismo del grupo debido a que en los Estados Unidos se encuentra en año de elecciones presidenciales. Para reafirmar la postura anti-Bush que han asumido, Pearl Jam toca la canción "Masters of War", original de Bob Dylan en el programa Late Show with David Letterman del 30 de septiembre, como preámbulo a su participación en la gira Vote For Change (Voto por el cambio).[40] Esta gira se realiza del 1 al 13 de octubre a lo largo de varias ciudades estadounidenses, acompañados de grupos como Dixie Chicks, Dave Matthews Band, R.E.M., todo esto como parte de la campaña de concienciación para evitar la reelección de George W. Bush como presidente. Ya hacia final del año lanzan su primer disco de Grandes éxitos titulado Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003.
A diferencia del año anterior, 2005 lleva a Pearl Jam de gira a través de varios lugares de América, la cual les servirá de preparación para el nuevo disco que estaban ya planeando. Un adelanto de ese disco lo dan el 18 de marzo en un concierto en Seattle, donde estrenarían la canción "Crapshoot".[41]
Para abril de 2005 anuncian la realización de una gira que abarca varias ciudades de Canadá. El 13 de julio realizan un concierto en la ciudad de Missoula, Montana, para apoyar la candidatura al Senado de los Estados Unidos de Jon Tester.
El 1 de septiembre inicia su gira norteamericana con un concierto especial en el Anfiteatro Gorge, en las afueras de Seattle, interpretando un concierto acústico y eléctrico que dura poco más 3 horas (interpretan en total 36 canciones) y arrancan su gira canadiense al día siguiente en la ciudad de Vancouver, la cual los lleva a través de ciudades donde nunca antes habían tocado. Al mismo tiempo dan la noticia de que al concluir la gira canadiense realizarán su primera gira por toda Latinoamérica, parando en Chile, Argentina, Brasil y México. Para todos estos conciertos, el grupo anuncia que su nueva serie de Bootlegs serán solo lanzados en formato MP3 y distribuidos en su página web oficial. Este hecho marca un precedente ya que después del escándalo provocado por el programa Napster, las empresas discográficas y muchos grupos musicales se habían dedicado a satanizar el uso y venta de la música en formatos para computadora.
BJORK.
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cantante y compositora islandesa así como actriz ocasional. Inicialmente fue vocalista del grupo The Sugarcubes, para después emprender una carrera como solista.
Se caracteriza por su gran rango expresivo y su estilo original y diferente, que abarca una gran variedad de géneros como el rock alternativo, trip-hop, jazz, electrónica experimental, folk y música clásica.
Según su compañía de discos One Little Indian, Björk ha vendido más de 50 millones de álbumes[1] . Fue nominada al Oscar a la mejor canción por la película Bailando en la oscuridad y a un Grammy al Mejor Álbum del Año.
Björk nació en el barrio de Oslin en Reykjavík. Su madre es Hildur Rúna Hauksdóttir, una conocida ecologista en Islandia y su padre, Guðmundur Gunnarson, un electricista. Sus padres se separaron cuando Björk tenía dos años. Su padrastro, Svævar Árnason, guitarrista del grupo local Pops y conocido como «el Eric Clapton islandés», la alentó a estudiar música y a componer. Björk es considerada una de las mejores cantautoras de toda Europa, según una encuesta realizada en Londres en 2004.
A la edad de tres años empezó a cantar piezas del musical The Sound of Music (conocido entre el público hispanohablante como Sonrisas y lágrimas y La novicia rebelde).
Tras el nacimiento de su hermano Árnar (Björk tiene seis hermanos, tres de ellos varones), la familia se mudó a Breiðholt, en las afueras de Reykjavík para llevar un estilo de vida hippie.
Desde pequeña Björk mostró un fuerte interés por las ciencias naturales y la física, coleccionaba insectos y sus ídolos eran Albert Einstein y el antropólogo británico David Attenborough.
Su infancia estuvo expuesta a las influencias de diferentes estilos musicales como el rock de Jimi Hendrix, Janis Joplin y Eric Clapton, por parte de su padrastro, así como Simon & Garfunkel, por parte de Hildur y la música clásica y el jazz por parte de abuelos.
A los nueve años estaba interesada en el dúo estadounidense Sparks cuyo disco Kimono My House, junto al álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de los Beatles se convierten en sus primeras adquisiciones discográficas. Para este momento también demuestra interés por los hermanos Johnny y Edgar Winter.
Su primer álbum
Su carrera musical comenzó a la edad de once años cuando en una fiesta escolar interpretó la canción de I Love To Love y uno de sus instructores envió la grabación a Radio One, una emisora de radio de Islandia. La grabación fue transmitida por todo el país; al escucharla un representante de la compañía discográfica Skífan se puso en contacto con los padres de Björk, pero al ver que la compañía no ofrecía las garantías deseadas, firmaron con Fálkinn.
Con la ayuda de su padrastro en guitarra junto a Björgvin Gíslason, Pálmi Gunnarson en el bajo y Sigurdur Karlsson en batería, grabó en 1977 su primer álbum, llamado escuetamente Björk, el cual contenía una selección de covers (versiones) en islandés de canciones de artistas como los Beatles y Stevie Wonder, así como también temas de composición.
Las primeras bandas
La música punk empezó a tener una influencia sobre Björk; a los catorce años creó una banda de punk íntegramente femenina con el nombre de Spit and Snot, un precedente de la ideología riot grrl, pero más independiente. «¡Teníamos canciones de verdad! Y estábamos muy cansadas de las feministas negativas que siempre se estaban compadeciendo y lamentándose»[cita requerida].
En Spit and Snot, Björk ocupó el lugar de batería. Brevemente le siguió una banda de jazz de fusión llamada Exodus en 1979 en la que se encontraban Ásgeir Sæmundsson y Þorvaldur Þorvalsson con los que logró una grabación casera y una aparición en la televisión islandesa, el tipo de música de Exodus era básicamente punk con elementos pop. La banda que le siguió fue Jam-80, pero su duración fue muy breve ya que solamente dieron una sola presentación. En 1980, a la edad de quince años, se graduó de la escuela de música como pianista clásica, siendo la única alumna en completar el curso de 10 años.
En 1981 junto al ex bajista de Exodus Jakob Magnússon formaron otra banda, Tappi Tíkarrass (en islandés significa Tapona el Culo de la Zorra), y lanzaron un álbum en 1982 con el título de Bítið Fast Í Vítið. Su álbum Miranda fue lanzado en 1983.
El grupo desarrolló un estilo after-punk con referencias a Siouxsie and the Banshees y la primera etapa de The Cure.
Björk entró en otra banda en 1983. Después de componer y ensayar por dos semanas se presentaron con el nombre de KUKL (Hechicero, en islandés). Aunque el estilo de KUKL era de un tipo de rock gótico oscuro con el estilo de Killing Joke y referencias vanguardistas del after-punk de The Fall. Björk lo definiría más tarde, no sin humor, como «jazz-punk-hardcore existencial».
Mientras realizaban una gira en Islandia se presentaron con la banda británica Crass, y visitaron posteriormente el Reino Unido en una serie de presentaciones con Flux of Pinks Indians.
Para ese momento Björk había estado saliendo con el guitarrista Þór Eldon Jónsson y estaba embarazada, por lo que el ajetreado estilo de vida de KUKL se convirtió en una tarea muy intensa.
La banda se separa y Björk acompaña a Gulli Óttarsson bajo el nombre de The Elgar Sisters, nombre adoptado en honor al compositor clásico Edward Elgar.Grabaron 11 canciones para un álbum, pero éste quedó en la nada. Mientras tanto, en el verano boreal de 1986 varios miembros de KUKL dieron lugar a la formación de The Sugarcubes, con la excepción de Óttarsson.
The Sugarcubes
El 8 de junio de 1986 Björk dio a luz a Sindri Eldon Þórsson, fecha que también es citada como el nacimiento oficial del grupo Sykurmolarnir, nombre que finalmente sería traducido a su equivalente en inglés: The Sugarcubes (Los Terrones de Azúcar). Para ese momento Einar Örn y Þór Eldon estaban al frente de una nueva organización llamada Smekkleysa u oficialmente conocida como Bad Taste, un sello discográfico contracultural que fomentaba el trabajo artístico de jóvenes islandeses. Poco después del nacimiento de Sindri, Björk tuvo un papel en la película The Juniper Tree (1987) y dos años más tarde, Björk y Þór se separan, pero siguieron siendo amigos.
También en 1987 participó de Glerbrot, una obra de Matthias Johannsen para la televisión islandesa, interpretó a una adolescente conflictiva. Para el mismo año, la hermana de Björk, Inga Hrönn, participó de la banda de new wave Blatt Afram que solamente grabó dos canciones en su único álbum en formato cassette lanzado con el nombre de Snarl 2.
El primer single de los Sugarcubes Ammæli (Birthday, en su versión al inglés), se convirtió en un gran éxito en Inglaterra, dejando una buena impresión con el surrealismo expresado con la letra y el extravagante concepto sonoro general.
Melodie Maker fue el medio más entusiasta eligiendo a Birthday como single de la semana y agregando comentarios halagadores de su arquitectura sonora. Otros medios también presentaron a los Sugarcubes en portada, como New Musical Express y la desaparecida Sounds.
La suerte de los Sugarcubes empieza a decaer cuando en 1989 lanzaron su segundo álbum llamado Here Today, Tomorrow, Next Week!, título que proviene de una frase del libro El viento en los sauces, de Kenneth Graeme.
Mientras que el éxito de los Sugarcubes iba decayendo, Björk participó en otros proyectos: bajo el nombre de Betula Jónasson tocó el clarinete en Hljómsveit Konráðs B (La Banda de Konráð B, en islandés), grupo derivado de Caviare, el dúo de Siggi Baldursson y Magga Örnólfsdóttir.
En 1990 grabó Gling-Gló, una colección de jazz popular y trabajo original con el grupo de música bebop que se dio a conocer como Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar, lanzado en Islandia.
El grupo se desvaneció poco después del lanzamiento del álbum, cuando el pianista Guðmundur Ingólfsson muere de cáncer; también contribuyó como vocalista para la grabación de Ooops y Qmart, pertenecientes al álbum Ex:El de la banda 808 State, al mando de Graham Massey; una colaboración que cultivó su interés en la música house. Mientras tanto, The Sugarcubes queda en un periodo de inactividad.
The Sugarcubes vuelven a reunirse en Nueva York junto al productor Paul Fox para preparar su álbum Stick Around For Joy, que fue editado en febrero de 1992 y precedido por el single Hit. Stick Around For Joy es el álbum más famoso con el cual Björk se daría a conocer definitivamente en la escena musical británica, pero a pesar del éxito alcanzado, las tensiones aumentaron entre Björk y Einar Örn y para finales de ese año, sale a la venta un álbum con remixes titulado It's-It, el último lanzamiento antes de que la banda se separe.
Después de la separación de los Sugarcubes, Björk se mudó a Londres y comenzó a pensar cómo seguir con su carrera solista desde cero: «Decidí poner en marcha mi propio proyecto y, para eso, cada detalle tenía que ser perfecto. Como yo soy mi propia manager y todo tiene que hacerse con mi nombre, era ridículo hacerlo desde Islandia. Siempre estaba con el teléfono y el fax. No es que vaya de perfeccionista, pero tener gente realmente profesional que te resuelva problemas te quita un peso importante de encima; te simplifica las cosas. Gente que sepa exactamente lo que hay que hacer. Muy buenos diseñadores gráficos, bajos, ingenieros de sonido..., allí puedes encontrar de todo».
Con este fin, empezó a trabajar con el productor Nellee Hooper (ex Soul II Soul), quien ya había producido para Massive Attack, entre otros. De su colaboración surgió el primer hit solista a nivel internacional de Björk: el hi-tech de Human Behaviour.
Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar
En 1990, Björk se unió al grupo Tríó Guðmundar Ingólfssonar (compaginando con The Sugarcubes) para grabar un álbum de Jazz. El disco se llamó Gling-Gló.
Carrera como solista
Artículo principal: Carrera como solista de Björk
Su primer disco en solitario fue Debut (1993), al influjo de escenas dance británicas; no satisfecha con ello, hizo lo propio con su próximo álbum Post, rindiéndose ante la magia del pop futurista. Björk no se compromete con ningún género excepto con ella misma y esto lo demostró claramente en Homogenic(1997), según las críticas, su mejor álbum dónde todo debía quedar perfectamente homogéneo y con un estilo de trip-hop mezclado con lo que ella llama "techno islandés". En 2001 quiso retransformar todo de nuevo, sorprendiendo con un Vespertine (2001) donde dejó brillar su gélida comunión entre micro secuencias de computadora y arreglos de cámara. Sin embargo más transgresor que todo esto resultó Medulla (2004) un álbum donde los ritmos fueron hechos únicamente con la voz, alternando interesantes timbres y tonos y "percusiones" hechas con la boca; este álbum se grabo con la colaboración de The Icelandic Choir y The London Choir. Actualmente con Volta (2007) Björk vuelve a las raíces de Homogenic con ritmos melodiosos y electrónicos pero mezclados con el Pop actual. Además de solista Bjork también actuo en la película "Bailando en la oscuridad" por la cual gano el premio a la mejor actriz en el festival de Cannes.
Vida personal
El 4 de octubre de 2002 estando en pareja con el realizador de videos Matthew Barney dio a luz por segunda vez, en esta oportunidad una niña de nombre Ísadóra. Björk también tiene un hijo, Sindri Eldon Þórsson, del 8 de junio de 1986, con Þór Eldon, quien fue su compañero en la banda Sugarcubes. Sindri es periodista actualmente y toca el bajo en ciertas bandas actuales. Björk ha salido antes con el director y videoartista francés Stéphane Sednaoui
El 19 de febrero de 1996 Björk aparece en los tabloides al golpear a Julie Kaufman, periodista de Thai TV que esperaba a la cantante después de habérsele negado una entrevista en el Aeropuerto Internacional Don Muang de Bangkok: "Uno lleva mucha presión encima, entonces exploté".[cita requerida],
Para septiembre del mismo año, Ricardo López, un joven de 21 años residente en Miami de origen uruguayo, se filma a sí mismo mientras construye una bomba de ácido sulfúrico para matarla. López se encontraba deprimido porque había enviado a Björk cartas en repetidas ocasiones, pero nunca obtenía respuesta y, además, decía en la filmación, no podía soportar que Björk saliera con un hombre negro(Goldie). La bomba fue enviada dentro de un libro, y en el paquete, López se hacía pasar por un ejecutivo de Elektra Records en el que le ofrecía un guión para una nueva película. Gracias al rastreo de Scotland Yard, el envío fue interceptado en las oficinas de correo de Londres justo antes de que saliera a destino.[cita requerida],
López dejó registrado todo el proceso en más de veinte videos: desde la construcción de la bomba hasta la compra de un revólver calibre 38 para suicidarse y el envío del paquete. Horrorizada por el acontecimiento, Björk se exilió en Andalucía (España), donde grabó la canción So Broken, inspirada en este incidente, y se separó de Goldie.
Björk vive con su actual pareja, Matthew Barney, y su hija Isadora en la ciudad de Nueva York dentro de un barco, el cual es, a la vez, su propia casa y su estudio de grabación.
Se caracteriza por su gran rango expresivo y su estilo original y diferente, que abarca una gran variedad de géneros como el rock alternativo, trip-hop, jazz, electrónica experimental, folk y música clásica.
Según su compañía de discos One Little Indian, Björk ha vendido más de 50 millones de álbumes[1] . Fue nominada al Oscar a la mejor canción por la película Bailando en la oscuridad y a un Grammy al Mejor Álbum del Año.
Björk nació en el barrio de Oslin en Reykjavík. Su madre es Hildur Rúna Hauksdóttir, una conocida ecologista en Islandia y su padre, Guðmundur Gunnarson, un electricista. Sus padres se separaron cuando Björk tenía dos años. Su padrastro, Svævar Árnason, guitarrista del grupo local Pops y conocido como «el Eric Clapton islandés», la alentó a estudiar música y a componer. Björk es considerada una de las mejores cantautoras de toda Europa, según una encuesta realizada en Londres en 2004.
A la edad de tres años empezó a cantar piezas del musical The Sound of Music (conocido entre el público hispanohablante como Sonrisas y lágrimas y La novicia rebelde).
Tras el nacimiento de su hermano Árnar (Björk tiene seis hermanos, tres de ellos varones), la familia se mudó a Breiðholt, en las afueras de Reykjavík para llevar un estilo de vida hippie.
Desde pequeña Björk mostró un fuerte interés por las ciencias naturales y la física, coleccionaba insectos y sus ídolos eran Albert Einstein y el antropólogo británico David Attenborough.
Su infancia estuvo expuesta a las influencias de diferentes estilos musicales como el rock de Jimi Hendrix, Janis Joplin y Eric Clapton, por parte de su padrastro, así como Simon & Garfunkel, por parte de Hildur y la música clásica y el jazz por parte de abuelos.
A los nueve años estaba interesada en el dúo estadounidense Sparks cuyo disco Kimono My House, junto al álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de los Beatles se convierten en sus primeras adquisiciones discográficas. Para este momento también demuestra interés por los hermanos Johnny y Edgar Winter.
Su primer álbum
Su carrera musical comenzó a la edad de once años cuando en una fiesta escolar interpretó la canción de I Love To Love y uno de sus instructores envió la grabación a Radio One, una emisora de radio de Islandia. La grabación fue transmitida por todo el país; al escucharla un representante de la compañía discográfica Skífan se puso en contacto con los padres de Björk, pero al ver que la compañía no ofrecía las garantías deseadas, firmaron con Fálkinn.
Con la ayuda de su padrastro en guitarra junto a Björgvin Gíslason, Pálmi Gunnarson en el bajo y Sigurdur Karlsson en batería, grabó en 1977 su primer álbum, llamado escuetamente Björk, el cual contenía una selección de covers (versiones) en islandés de canciones de artistas como los Beatles y Stevie Wonder, así como también temas de composición.
Las primeras bandas
La música punk empezó a tener una influencia sobre Björk; a los catorce años creó una banda de punk íntegramente femenina con el nombre de Spit and Snot, un precedente de la ideología riot grrl, pero más independiente. «¡Teníamos canciones de verdad! Y estábamos muy cansadas de las feministas negativas que siempre se estaban compadeciendo y lamentándose»[cita requerida].
En Spit and Snot, Björk ocupó el lugar de batería. Brevemente le siguió una banda de jazz de fusión llamada Exodus en 1979 en la que se encontraban Ásgeir Sæmundsson y Þorvaldur Þorvalsson con los que logró una grabación casera y una aparición en la televisión islandesa, el tipo de música de Exodus era básicamente punk con elementos pop. La banda que le siguió fue Jam-80, pero su duración fue muy breve ya que solamente dieron una sola presentación. En 1980, a la edad de quince años, se graduó de la escuela de música como pianista clásica, siendo la única alumna en completar el curso de 10 años.
En 1981 junto al ex bajista de Exodus Jakob Magnússon formaron otra banda, Tappi Tíkarrass (en islandés significa Tapona el Culo de la Zorra), y lanzaron un álbum en 1982 con el título de Bítið Fast Í Vítið. Su álbum Miranda fue lanzado en 1983.
El grupo desarrolló un estilo after-punk con referencias a Siouxsie and the Banshees y la primera etapa de The Cure.
Björk entró en otra banda en 1983. Después de componer y ensayar por dos semanas se presentaron con el nombre de KUKL (Hechicero, en islandés). Aunque el estilo de KUKL era de un tipo de rock gótico oscuro con el estilo de Killing Joke y referencias vanguardistas del after-punk de The Fall. Björk lo definiría más tarde, no sin humor, como «jazz-punk-hardcore existencial».
Mientras realizaban una gira en Islandia se presentaron con la banda británica Crass, y visitaron posteriormente el Reino Unido en una serie de presentaciones con Flux of Pinks Indians.
Para ese momento Björk había estado saliendo con el guitarrista Þór Eldon Jónsson y estaba embarazada, por lo que el ajetreado estilo de vida de KUKL se convirtió en una tarea muy intensa.
La banda se separa y Björk acompaña a Gulli Óttarsson bajo el nombre de The Elgar Sisters, nombre adoptado en honor al compositor clásico Edward Elgar.Grabaron 11 canciones para un álbum, pero éste quedó en la nada. Mientras tanto, en el verano boreal de 1986 varios miembros de KUKL dieron lugar a la formación de The Sugarcubes, con la excepción de Óttarsson.
The Sugarcubes
El 8 de junio de 1986 Björk dio a luz a Sindri Eldon Þórsson, fecha que también es citada como el nacimiento oficial del grupo Sykurmolarnir, nombre que finalmente sería traducido a su equivalente en inglés: The Sugarcubes (Los Terrones de Azúcar). Para ese momento Einar Örn y Þór Eldon estaban al frente de una nueva organización llamada Smekkleysa u oficialmente conocida como Bad Taste, un sello discográfico contracultural que fomentaba el trabajo artístico de jóvenes islandeses. Poco después del nacimiento de Sindri, Björk tuvo un papel en la película The Juniper Tree (1987) y dos años más tarde, Björk y Þór se separan, pero siguieron siendo amigos.
También en 1987 participó de Glerbrot, una obra de Matthias Johannsen para la televisión islandesa, interpretó a una adolescente conflictiva. Para el mismo año, la hermana de Björk, Inga Hrönn, participó de la banda de new wave Blatt Afram que solamente grabó dos canciones en su único álbum en formato cassette lanzado con el nombre de Snarl 2.
El primer single de los Sugarcubes Ammæli (Birthday, en su versión al inglés), se convirtió en un gran éxito en Inglaterra, dejando una buena impresión con el surrealismo expresado con la letra y el extravagante concepto sonoro general.
Melodie Maker fue el medio más entusiasta eligiendo a Birthday como single de la semana y agregando comentarios halagadores de su arquitectura sonora. Otros medios también presentaron a los Sugarcubes en portada, como New Musical Express y la desaparecida Sounds.
La suerte de los Sugarcubes empieza a decaer cuando en 1989 lanzaron su segundo álbum llamado Here Today, Tomorrow, Next Week!, título que proviene de una frase del libro El viento en los sauces, de Kenneth Graeme.
Mientras que el éxito de los Sugarcubes iba decayendo, Björk participó en otros proyectos: bajo el nombre de Betula Jónasson tocó el clarinete en Hljómsveit Konráðs B (La Banda de Konráð B, en islandés), grupo derivado de Caviare, el dúo de Siggi Baldursson y Magga Örnólfsdóttir.
En 1990 grabó Gling-Gló, una colección de jazz popular y trabajo original con el grupo de música bebop que se dio a conocer como Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar, lanzado en Islandia.
El grupo se desvaneció poco después del lanzamiento del álbum, cuando el pianista Guðmundur Ingólfsson muere de cáncer; también contribuyó como vocalista para la grabación de Ooops y Qmart, pertenecientes al álbum Ex:El de la banda 808 State, al mando de Graham Massey; una colaboración que cultivó su interés en la música house. Mientras tanto, The Sugarcubes queda en un periodo de inactividad.
The Sugarcubes vuelven a reunirse en Nueva York junto al productor Paul Fox para preparar su álbum Stick Around For Joy, que fue editado en febrero de 1992 y precedido por el single Hit. Stick Around For Joy es el álbum más famoso con el cual Björk se daría a conocer definitivamente en la escena musical británica, pero a pesar del éxito alcanzado, las tensiones aumentaron entre Björk y Einar Örn y para finales de ese año, sale a la venta un álbum con remixes titulado It's-It, el último lanzamiento antes de que la banda se separe.
Después de la separación de los Sugarcubes, Björk se mudó a Londres y comenzó a pensar cómo seguir con su carrera solista desde cero: «Decidí poner en marcha mi propio proyecto y, para eso, cada detalle tenía que ser perfecto. Como yo soy mi propia manager y todo tiene que hacerse con mi nombre, era ridículo hacerlo desde Islandia. Siempre estaba con el teléfono y el fax. No es que vaya de perfeccionista, pero tener gente realmente profesional que te resuelva problemas te quita un peso importante de encima; te simplifica las cosas. Gente que sepa exactamente lo que hay que hacer. Muy buenos diseñadores gráficos, bajos, ingenieros de sonido..., allí puedes encontrar de todo».
Con este fin, empezó a trabajar con el productor Nellee Hooper (ex Soul II Soul), quien ya había producido para Massive Attack, entre otros. De su colaboración surgió el primer hit solista a nivel internacional de Björk: el hi-tech de Human Behaviour.
Björk Guðmundsdóttir & Tríó Guðmundar Ingólfssonar
En 1990, Björk se unió al grupo Tríó Guðmundar Ingólfssonar (compaginando con The Sugarcubes) para grabar un álbum de Jazz. El disco se llamó Gling-Gló.
Carrera como solista
Artículo principal: Carrera como solista de Björk
Su primer disco en solitario fue Debut (1993), al influjo de escenas dance británicas; no satisfecha con ello, hizo lo propio con su próximo álbum Post, rindiéndose ante la magia del pop futurista. Björk no se compromete con ningún género excepto con ella misma y esto lo demostró claramente en Homogenic(1997), según las críticas, su mejor álbum dónde todo debía quedar perfectamente homogéneo y con un estilo de trip-hop mezclado con lo que ella llama "techno islandés". En 2001 quiso retransformar todo de nuevo, sorprendiendo con un Vespertine (2001) donde dejó brillar su gélida comunión entre micro secuencias de computadora y arreglos de cámara. Sin embargo más transgresor que todo esto resultó Medulla (2004) un álbum donde los ritmos fueron hechos únicamente con la voz, alternando interesantes timbres y tonos y "percusiones" hechas con la boca; este álbum se grabo con la colaboración de The Icelandic Choir y The London Choir. Actualmente con Volta (2007) Björk vuelve a las raíces de Homogenic con ritmos melodiosos y electrónicos pero mezclados con el Pop actual. Además de solista Bjork también actuo en la película "Bailando en la oscuridad" por la cual gano el premio a la mejor actriz en el festival de Cannes.
Vida personal
El 4 de octubre de 2002 estando en pareja con el realizador de videos Matthew Barney dio a luz por segunda vez, en esta oportunidad una niña de nombre Ísadóra. Björk también tiene un hijo, Sindri Eldon Þórsson, del 8 de junio de 1986, con Þór Eldon, quien fue su compañero en la banda Sugarcubes. Sindri es periodista actualmente y toca el bajo en ciertas bandas actuales. Björk ha salido antes con el director y videoartista francés Stéphane Sednaoui
El 19 de febrero de 1996 Björk aparece en los tabloides al golpear a Julie Kaufman, periodista de Thai TV que esperaba a la cantante después de habérsele negado una entrevista en el Aeropuerto Internacional Don Muang de Bangkok: "Uno lleva mucha presión encima, entonces exploté".[cita requerida],
Para septiembre del mismo año, Ricardo López, un joven de 21 años residente en Miami de origen uruguayo, se filma a sí mismo mientras construye una bomba de ácido sulfúrico para matarla. López se encontraba deprimido porque había enviado a Björk cartas en repetidas ocasiones, pero nunca obtenía respuesta y, además, decía en la filmación, no podía soportar que Björk saliera con un hombre negro(Goldie). La bomba fue enviada dentro de un libro, y en el paquete, López se hacía pasar por un ejecutivo de Elektra Records en el que le ofrecía un guión para una nueva película. Gracias al rastreo de Scotland Yard, el envío fue interceptado en las oficinas de correo de Londres justo antes de que saliera a destino.[cita requerida],
López dejó registrado todo el proceso en más de veinte videos: desde la construcción de la bomba hasta la compra de un revólver calibre 38 para suicidarse y el envío del paquete. Horrorizada por el acontecimiento, Björk se exilió en Andalucía (España), donde grabó la canción So Broken, inspirada en este incidente, y se separó de Goldie.
Björk vive con su actual pareja, Matthew Barney, y su hija Isadora en la ciudad de Nueva York dentro de un barco, el cual es, a la vez, su propia casa y su estudio de grabación.
